Il fatto che tra i migliori album di questo primo terzo di 2021 ci siano i lavori di due quasi novantenni, Willie Nelson e Loretta Lynn, non depone certo a favore di un roseo futuro per la nostra musica. Ora a questo manipolo di giovanotti si aggiunge anche Tom Jones, che è un ragazzino in confronto ai due nomi appena citati in quanto di anni ne compirà “solo” 81 il prossimo giugno. Dopo una lunghissima carriera piena di successi pop ma anche di tanti passaggi a vuoto, il cantante gallese sta vivendo da una decade abbondante una vera e propria rinascita artistica: infatti, dopo essersi riaffacciato prepotentemente nelle parti alte delle classifiche con il tormentone danzereccio Sex Bomb nel 2000, Tom ha iniziato dal 2010 a pubblicare un album più bello dell’altro, reinventandosi interprete in chiave folk-blues-gospel-roots di brani tradizionali ed altri di autori contemporanei anche di stampo rock. Un percorso simile a quello intrapreso negli anni 90 da Johnny Cash con Rick Rubin (ma a differenza di Jones, l’Uomo in Nero non aveva mai smesso di fare musica di qualità, solo non se lo filava più nessuno), con il produttore Ethan Johns, figlio del mitico Glyn Johns, a fungere da mentore come Rubin era stato per Cash. Praise & Blame (2010), Spirit In The Room (2012) e Long Lost Suitcase (2015) erano tre dischi magnifici, nei quali il nostro, sempre in possesso di una grande voce, rileggeva con credibilità da vero musicista roots brani della tradizione o canzoni scritte da Hank Williams, Bob Dylan, Billy Joe Shaver, Los Lobos, Pops Staples, Leonard Cohen, Richard Thompson, Paul Simon, Willie Nelson, Tom Waits, Gillian Welch e Rolling Stones, un percorso culminato poi nel 2017 con lo splendido doppio Live On Soundstage, registrato appunto dal vivo.
Ora Jones si rifà vivo a sei anni da Long Lost Suitcase con Surrounded By Time, un altro riuscito album che prosegue con la reinterpretazione di classici del passato tra pezzi noti ed altri più oscuri, ancora con Johns in cabina di regia ed anche responsabile di vari tipi di strumenti a tastiera e chitarre, e con la partecipazione di Neil Cowley anch’egli al piano, organo e synth, Nick Pini al basso e Dan See e Jeremy Stacey alla batteria. A differenza dei tre lavori precedenti però in questo album il suono è meno roots e decisamente più moderno, con uso abbastanza insistito di sonorità elettroniche mescolate ad altre più “tradizionali”, anche se a parte un paio di episodi in cui la modernità prende il sopravvento, il tutto è dosato con intelligenza (ci sono similitudini con certe cose di David Bowie ma anche con il Nick Cave più recente). E poi c’è Tom, che nonostante gli anni ha ancora una voce di una potenza formidabile, ed una classe che gli permette di interpretare al meglio qualsiasi tipo di canzone con qualsiasi tipo di arrangiamento: pollice verso invece per la copertina del CD, che ogni volta che la guardo mi fa venire in mente un rotolo di carta igienica…L’album inizia con le tonalità gospel di I Won’t Crumble With You If You Fall, un brano della folksinger ed attivista Bernice Johnson Reogon con la voce magnifica di Jones che si staglia quasi a cappella, dal momento che gli unici strumenti sono synth e basso che producono un effetto simile ai paesaggi sonori di Daniel Lanois.
The Windmills Of Your Mind è un noto pezzo del compositore francese Michel Legrand già inciso in passato tra gli altri da Dusty Springfield, Vanilla Fudge e Sting: Tom canta con grande padronanza della melodia mentre la band si produce in un accompagnamento pianistico di algida bellezza, con una leggera percussione e l’organo ad aggiungere pathos; con Pop Star, vecchia canzone di Cat Stevens (era su Mona Bone Jakon) il ritmo cresce, il brano ha una struttura blues ma qui è sostenuto da uno strano arrangiamento molto elettronico che non le rende pienamente giustizia, nonostante l’ingresso dopo la seconda strofa di un bellissimo pianoforte. Un sitar introduce No Hole In My Head di Malvina Reynolds, poi entra una ritmica martellante ed un organo decisamente sixties, per una traccia che si divide tra pop e psichedelia, un genere non abituale per Tom che però non fa una piega e canta con il solito carisma ed anche una buona dose di grinta. Talking Reality Television Blues è il brano che non ti aspetti, una canzone recente scritta da Todd Snider dal testo ironico tipico del songwriter di Portland, arrangiato alla guisa di un rock urbano (non esagero se penso ai Dream Syndicate), e per non smentire il titolo Jones parla invece di cantare. Non tra le mie preferite, anche se la coda finale chitarristica è notevole.
Anche I Won’t Lie (di Michael Kiwanuka) inizia con un tappeto sonoro quasi straniante, ma poi entra la chitarra acustica e Tom canta col cuore in mano trasformando un brano di moderno soul in una folk song pura nonostante l’atmosfera gelida creata dal synth sullo sfondo; This Is The Sea, uno dei capolavori dei Waterboys, è una grande canzone e qui viene riproposta in maniera più classica, con organo, chitarre e sezione ritmica in evidenza (sulla voce di Tom non voglio ripetermi): sette minuti splendidi. Interpretare Dylan sta diventando per Jones una piacevole abitudine dato che Praise & Blame si apriva con What Good Am I? ed in Spirit In The Room c’era When The Deal Goes Down: qui troviamo la bella One More Cup Of Coffee, che ha un inizio quasi jazzato per l’uso solista del basso ma poi entrano gli altri strumenti ed il pezzo mantiene l’andatura western dell’originale con il nostro che vocalizza alla grande, a differenza del traditional Samson And Delilah (l’hanno fatta in tanti, ma la versione più celebre è quella dei Grateful Dead) che assume sonorità etniche, quasi tribali, con un andamento incalzante e coinvolgente.
Tom omaggia anche Tony Joe White con Ol’ Mother Earth, ballata cadenzata e notturna in cui i suoni moderni si adattano perfettamente al tessuto melodico di base, con Jones che ricorre ancora al talkin’ ma in maniera più riuscita che nel brano di Snider; finale con il tributo a due musicisti jazz poco noti come Bobby Cole e Terry Callier, rispettivamente con I’m Growing Old, proposta in una nuda e struggente rilettura per sola voce e piano (e qualche loop non invasivo), e la lunga Lazarus Man, più di nove minuti di pura psichedelia moderna con la voce del leader che un po’ declama ed un po’ canta con il consueto feeling, mentre una chitarra liquida alla Jerry Garcia ricama sullo sfondo. Quindi un altro bel disco per il “vero” Principe di Galles, che dimostra di cavarsela alla grande anche in mezzo a suoni che non sempre gli appartengono.
Detto che entrambi i cofanetti sono davvero eleganti e contengono uno splendido libro pieno di foto inedite e con molto materiale da leggere, mi soffermerò soltanto sui contenuti inediti dal momento che i due album originali sono stati già esaminati con dovizia di particolari da Bruno pochi mesi fa. Una cosa devo però dirla, e cioè che purtroppo tutti e due i box sono pieni di ripetizioni che servono solo a far lievitare il prezzo: nell’ordine abbiamo i primi due CD di ciascun cofanetto con il disco originale una volta rimasterizzato e l’altra remixato per l’occasione (con una fedeltà sonora devo dire spettacolare), poi lo stesso album è presente anche in vinile (nella versione remix) e nella parte audio del Blu-Ray in diverse configurazioni sonore, mentre le canzoni contenute nei due EP da dodici pollici sono presenti anche nella parte live dei CD. In più, il box di Tea For The Tillerman ha un CD in più che però non è altro che la nuova versione uscita a settembre, che tutti i fan del “Gatto” avevano già comprato ed ora è quindi praticamente inutile. Ma veniamo ai contenuti.
Il terzo CD del box di Mona Bone Jakon presenta nove demo acustici (e inediti), canzoni già molto belle in questa veste anche perché non è che le versioni finali fossero così tanto strumentate, con una menzione particolare per Maybe You’re Right, I Think I See The Light, Trouble e Katmanduhttps://www.youtube.com/watch?v=-QGaMRxwP3E. C’è anche un inedito assoluto: I Want Some Sun, una folk song allegra e solare che forse non è tra le canzoni migliore mai scritte dal nostro ma ci regala ottimi intrecci chitarristici tra Cat e Alun Davies ed un tamburello a scandire il ritmo, al punto che non sembra neanche un demo https://www.youtube.com/watch?v=MsaU6qBzZXQ . Il quarto CD presenta una selezione di brani dal vivo dell’epoca, anche qui inediti, alcuni con Stevens da solo con Davies ed altri con la band alle spalle. Ci sono pezzi presi da trasmissioni televisive come BBC Live In Concert https://www.youtube.com/watch?v=-oDCddzjju0 , Beat Club in Germania https://www.youtube.com/watch?v=upDra9zWqgg e Pop Deux in Francia, e veri e propri concerti come i sei brani suonati al Plumpton Jazz & Blues Festival (che si ripetono nell’EP in vinile), che purtroppo sono l’unico caso dei due box di registrazione tipo bootleg, e pure di bassa qualità, al punto che mi chiedo se non ci fosse un altro show inciso meglio https://www.youtube.com/watch?v=sNn2q_E54GU .
I brani sono tutti abbastanza simili all’arrangiamento originale ma sempre piacevoli, e non mancano diverse ripetizioni: abbiamo infatti ben quattro Lady D’Arbanville, tre Maybe You’re Right, due Katmandu e così via. Infine troviamo anche due pezzi in anteprima da Tea For The Tillerman (i futuri classici Where Do The Children Play e Father And Son) ed anche Changes IV da Teaser And The Firecat, anche se tutte e tre purtroppo provengono dal concerto di Plumpton.
Passiamo al cofanetto di Tea For The Tillerman (a proposito, ascoltando uno in fila all’altro la versione originale del 1970 e quella rifatta del 2020 si notano ancora di più le differenze qualitative a favore della prima), che ha nel CD dedicato ai demo e takes alternate molte più canzoni rispetto a quello di Mona Bone Jakon, anche se gli inediti sono solo quattro: i demo di Don’t Be Shy e If You Want To Sing Out, Sing Outhttps://www.youtube.com/watch?v=43926A8jOM8, due belle canzoni finite all’epoca nella colonna sonora del film Harold & Maude (e presenti anche nelle versioni originali) e soprattutto due brani mai sentiti prima, l’ottima ed orecchiabile folk song Can This Be Love?, eseguita con forza e pathos, e It’s So Good che invece è piuttosto nella media. Completano il tutto alcuni brani già apparsi nell’edizione doppia dell’album uscita nel 2008 e nello splendido box del 2001 dedicato alla carriera di Cat https://www.youtube.com/watch?v=WdF-Z9aRJHI : i demo di Wild World e Miles From Nowhere, pezzi rimasti fuori dall’album originale come The Joke, I’ve Got A Thing About Seeing My Grandson Grow Old e Love Lives In The Sky (che rispunterà nel 1975 con il titolo di Land O’ Freelove And Goodbye, forse l’unica bella canzone dell’album Numbers), la take alternata di But I Might Die Tonight usata nel film Deep End ed il grazioso duetto con Elton John in Honey Manhttps://www.youtube.com/watch?v=OgrNdWHC6xE.
Il quinto CD contiene una lunga serie di brani dal vivo registrati tra il 1970 e 1971, e rispetto al box precedente questi provengono solo dal disco che viene celebrato (l’annuncio ufficiale del cofanetto riportava in scaletta anche Changes IV, Moonshadow e Peace Train, ma in realtà non ci sono): sono presenti quindi tutte le canzoni di Tea For The Tillerman con l’eccezione di But I Might Die Tonight e, purtroppo, Sad Lisa (che è una delle mie preferite in assoluto del Gatto), mentre di Wild World ne compaiono ben cinque versioni. Tutti i brani sono inediti tranne due dei sette registrati al Troubadour di Los Angeles https://www.youtube.com/watch?v=C4tW42ZylO4 (che compaiono anche nell’EP a 12 pollici) che aprono il CD https://www.youtube.com/watch?v=Eo5xguHjo4M ; si prosegue poi con sei pezzi i KCET Studios sempre a L.A https://www.youtube.com/watch?v=Iz_x9WrSdOM ., tre alla BBC https://www.youtube.com/watch?v=xBjlKMGdjjA , due al Beat Club tedesco https://www.youtube.com/watch?v=8KZF9Yeu9GU , uno in Francia ed una fluida ed applauditissima Father And Son al Fillmore East https://www.youtube.com/watch?v=csiP8e-bc58 .
Sono già in fremente attesa per il box dedicato a Teaser And The Firecat (album che forse preferisco leggermente anche a Tea For The Tillerman), che presumibilmente uscirà nel 2021, ma sono proprio curioso di sapere cosa si inventerà Cat Stevens nei prossimi anni per rendere interessanti dischi come Numbers o Izitso. Quindi, concludendo, lasciamo a Cat Stevens la paternità nel 2020 dell’Year Of The Cat, anche perché nel 2021 il vero detentore del titolo, Al Stewart, pubblicherà l’album omonimo sotto forma di cofanetto, per l’uscita nel 45° Anniversario del disco.
Tra il 1971 e il 1972 ha una relazione con Carly Simon, che poi opterà per James Taylor, e quindi per consolarsi decide di registrare il suo settimo album
Catch Bull At Four – 1972 Island/A&M****
Ormai Cat Stevens è una superstar mondiale, ma la qualità dei suoi dischi rimane elevatissima, e quindi prosegue il filotto con un altro disco molto bello, per quanto leggermente inferiore ai due che lo hanno preceduto, arrivando al 1° posto delle classifiche americane, con più di un milione di copie vendute. Squadra vincente non si cambia: solo qualche piccolo ritocco, Jean Russell entra in pianta stabile alle tastiere, come Gerry Conway alla batteria, nuovo bassista Alan James, rimangono il produttore Paul Samwell-Smith, mai citato abbastanza come grande alchimista del suono del nostro, stesso discorso per Alun Davies e per l’arrangiatore Del Newman. Magari non tutte le canzoni sono bellissime, ma alcune sono veramente splendide e tra le mie preferite assolute di Stevens: la dichiarazione di intenti di Sitting, con un sound esplosivo che coniuga lo stile abituale al rock, grazie all’uso delle tastiere di Russell e della batteria di Conway, con lo stesso Cat che nel disco suona una decina di strumenti, chitarre elettriche incluse.
La magnificaBoy with a Moon & Star on His Head, che forse non ha un ritornello vincente come Morning Has Broken, ma una costruzione sonora avvincente di stampo folk, con le consuete improvvise e tipiche esplosioni della sua musica. Angelsea, con un intrigante synth suonato dallo stesso Stevens, ha un andamento incalzante e un suono più moderno, con Conway che impazza alla batteria, e i preziosi coretti di Linda Lewis, con il tutto che non manca del consueto fascino. Silent Sunlight è una seducente ballata pianistica cantata in falsetto, anche se è leggermente inferiore a quanto ascoltato fin qui, Can’t Keep It In, nella consueta alternanza, è un brano più mosso e brillante, quasi impaziente nella sua esuberanza ed impazienza, sostenuto da un mirabile arrangiamento corale, dove brilla tutta la band, seguita da un’altra ballata come 18th Avenue (Kansas City Nightmare),dove piano e tastiere rimpiazzano le consuete chitarre acustiche, e con una bella parte centrale strumentale.
Anche Freezing Steel non soddisfa del tutto, anticipando una certa modernità di suoni che si farà più evidente nei dischi successivi, ma nella successiva O Caritas ci si lancia di nuovo nella musica popolare greca, addirittura cantata in latino, con il ritorno del bouzouki di Andreas Toumazise la chitarra classica di Jeremy Taylor a dettare i tempi, mentre un coro sottolinea l’arrangiamento affascinante, forse un filo pomposo. Sweet Scarlet è un’altra buona ma non memorabile ballata pianistica, lasciando alla conclusiva Ruins il compito di alzare la qualità complessiva dell’album, un ennesimo esempio della maestria di Stevens nel maneggiare le situazioni elettroacustiche.
Anche per questo album è stata annunciata una versione Deluxe che al momento non conosco. Nel 1973 si trasferisce a Rio De Janeiro, anche lui per sfuggire alle tasse inglesi, benché poi donerà il denaro risparmiato all’Unesco: però a questo punto inizia anche il suo lento declino, con dischi che vendono sempre piuttosto bene, anche se le critiche non sono più costanti e benevole, ma i fans rimangono comunque fedeli, e negli album ci sono comunque motivi di interesse, non a caso per il disco successivo, registrato tra Kingston, Giamaica e New York, il nostro amico si separa da Samwell-Smith per incidere
Foreigner – 1973 Island/A&M ***
Il problema è che lo fa in un album dove il suono è principalmente basato sulle tastiere, via Alun Davies, dentro vari sessionmen e il suono si fa turgido e “carico”, forse vicino a certo rock progressivo che imperava all’epoca, e fin qui nulla di male, anch’io apprezzo il genere quando è fatto bene, ma come dice un detto lombardo “Ofelè fa el to mesté”, ovvero “Pasticciere, fai il tuo mestiere”: mi sono riascoltato il CD dopo anni che non lo facevo e devo dire che continua a non piacermi, intendiamoci non è un brutto album, suonato benissimo, la voce è sempre affascinante, ma la musica meno, la lunga Foreigner Suite, 18 minuti che occupavano la prima facciata del vinile, ha i suoi momenti, ma se devo ascoltare questo tipo di musica, preferisco gli Yes, gli Utopia, i King Crimson e via andare.
Le quattro canzoni brevi mi piacciono anche meno, pur se la tra le coriste impiegate c’è la bravissima Patti Austin e non disdegno certo funky-rock e blue eyed soul, ma forse non fatto da Cat Stevens, magari sbaglio io, comunque tre stellette di stima. Per il successivo album, dopo essere stato uno “Straniero”, in esilio per motivi fiscali, Stevens torna a Londra per registrare, e richiama Paul Samwell-Smith, Alun Davies, Gerry Conway, Jean Roussel, e il risultato è
Buddha And The Chocolate Box – 1974 Island/A&M ***
Disco che torna in parte alle vecchie sonorità, anche se c’è l’impiego esagerato di decine di backing vocalist di supporto e l’orchestra è molto presente, e la qualità delle canzoni non è la stessa del passato, c’è una maggiore spiritualità ma il sound è fin troppo turgido e tronfio a tratti, prendete l’iniziale Bad Penny, ma anche la successiva, comunque piacevole Ghost Town, che tra armonica, piano, le solite chitarre e la batteria di Conway pare comunque una canzoncina; forse salverei la spirituale Jesus, la conclusiva brillante Sun C-79 e soprattutto Oh Very Young, un ritorno agli splendori del passato, che non dico valga da sola tutto l’album, ma quasi, con un ritornello e una melodia deliziose.
Ma è un fuoco di paglia, perché per il successivo album Stevens parte per il Canada per inciderlo e, come contenuti per una galassia di nome Polygor per realizzare un concept-album, ovvero
Numbers – 1975 Island/A&M ***
Di cui, anche se ci suonano gli stessi fedeli musicisti del precedente, mi chiedete se mi ricordo una canzone, la risposta è no: però, per dovere di cronaca, sono andato a riascoltarlo, e almeno un paio di canzoni, forse non mi sono dispiaciute, Novim’s Nightmare e Jzero, quindi mezza stelletta in più, è pur sempre Cat Stevens.
Interludio 1
Però nello stesso anno esce anche il fantastico Greatest Hits – 1975 Island/A&M *****, quattro “zilioni” di copie vendute nel mondo e di cui ricordo ancora il numero di catalogo del disco ILPS 9310. Nel 1974 era uscito, solo per il mercato giapponese, dove il disco era stato registrato a Tokyo, l’eccellente Saturnight – 1974 A&M Japan ****, anche questo non lo ascoltavo da anni, ma devo dire che è veramente bello, con la chicca della cover di Another Saturday Night di Sam Cooke, poi inserita nel Greatest Hits.
Nel 1976 il nostro amico fa un tour mondiale e nelle date americane viene registrato un altro disco dal vivo Majikat – 2004Eagle ***1/2, che però verrà pubblicato solo circa 40 anni dopo. Dopo la parentesi concertistica Cat Stevens decide di incidere un nuovo disco, registrato in giro per il mondo tra settembre del 1976 e marzo del 1977, con la partecipazione di una miriade di musicisti, e il risultato è
Izitso – 1977 Island/A&M ***
Peggio di Numbers non si poteva fare, ma non è che questo disco rimarrà negli annali della musica: tra sintetizzatori a go-go e un suono tra rock elettronico e synthpop, nel disco si salvano il blue eyed soul del duetto con Elkie Brooks (Remember the Days of the) Old Schoolyard e l’autobiografica (I Never Wanted) To Be a Star, tre stellette, ma solo di stima. Alla fine dell’album prende una decisione che stava meditando da tempo e decide di convertirsi all’Islam e nel luglio del1978 Steven Georgiou cambia il suo nome in Yusuf Islam, ma prima pubblica ancora un album come Cat Stevens, che esce a dicembre del 1978
Inteludio 2 1979-2020 Da Cat Stevens a Yusuf/Cat Stevens
Discograficamente salterei la produzione religiosa e anche le canzoni per bambini, perché sinceramte non ho mai sentito i dischi. Del periodo ricorderei alcune infelici dichiarazioni su Salman Rushdie, poi riabilitate, in seguito all’attacco alle Torri Gemelle del 2001, in cui apparve al Concert For New York City, condannando il tragico evento e cantando accapella dal vivo, per la prima volta dopo oltre venti anni, la sua Peace Train. Nel 2004 gli viene negato il visto per entrare negli Stati Uniti, dove però torna nel 2006 per alcuni eventi radiofonicie nello stesso anno, a marzo registra il suo primo album dopo la lunga pausa e il dodicesimo della carriera.
Yusuf – An Other Cup – 2006 Polydor/Atlantic*** un album discreto, dove si apprezza la sua voce, rimasta sempre uguale,in una serie di canzoni estremamente piacevoli; disco replicato tre anni dopo con Roadsinger – 2009 Island/A&M ***1/2 una sorta di ritorno alle sonorità migliori del passato, cosa che gli vale una mezza stelletta in più, tra i brani spicca Everytime I Dream, canzone in cui rievoca i fatti della vicenda di Rushdie.
Nel 2007 era uscito in DVD anche Yusuf’s Cafe Session ***1/2 dove appare alle prese con un misto ci canzoni nuove e classici del passato, e nel 2010 Roadsinger Live In Australia.Come Yusuf/Cat Stevens pubblica Tell ‘Em I’m Gone – 2014 Legacy Recordings***, un discreto disco prodotto da Rick Rubin, con parecchie cover, e infine
The Laughing Apple – 2017 Decca ***1/2, probabilmente il miglior disco dopo il ritorno, non a caso co-prodotto da Cat Stevens (mi è scappato) con Paul Samwell-Smith(e la presenza di Alun Davies), anche con alcune nuove versioni di canzoni apparse su New Masters il disco del 1967.
Per chiudere il cerchio, sempre con Samwell-Smith e Davies, in questi giorni esce la già ricordata nuova versione per il 50° Anniversario di Tea For The Tillerman2.. Per ora è tutto, ma non si esclude un To Be Continued…proprio con l’Appendice che vi poporrò a breve con i due cofanetti per i 50 anni di Mona Bone Jakon e Tea For The Tillerman.
Anzi a volere essere ancora più precisi: da Steven Demetre Georgioua Cat Stevens fino al 1978, poi dopo la sua conversione alla religione musulmana, prima Yusuf Islam, e poi in una concessione al suo passato Yusuf/Cat Stevens. Per me, ad essere sinceri, rimarrà sempre Cat Stevens, almeno a livello musicale: quel ragazzo di origine greco-cipriota che nella Swingin’ London degli anni ‘60 inizia una carriera (e proprio a voler essere addirittura pignoli, quando inizia ad esibirsi nel 1965, sceglie il nome d’arte Steve Adams). E già in quell’anno deposita il suo primo demo come autore, ovvero The First Cut Is The Deepest. Nel contempo, diventato Cat Stevens, inizia ad esibirsi nei pub e nelle coffee houses: e sviluppa anche questa passione, magari un po’ interessata per l’uso di nomignoli e poi titoli di canzoni, e infine dischi, che hanno a che fare con gli animali. Viene notato a 18 anni, nel 1966, dal manager Mike Hurst (ex degli Springfields, il gruppo della sorellaDusty), che gli fa avere un contratto la Deram, sussidiaria della Decca, che all’inizio aveva rifiutato i Beatles, ma poi non poteva continuare così, prima i Rolling Stones, e poi altri talenti del nascente panorama pop (e rock) britannico firmano con loro.
1967-1969 Le origini.
Già a fine settembre del 1966 pubblica il primo singolo I Love My Dog (era già ecumenico sin dall’inizio). In seguito ammetterà che aveva solo aggiunto il testo ad un brano del jazzista Yuseef Lateef The Plum Blossom, musicista a cui poi pagherà sempre le royalties e che apparirà anche come coautore della canzone; il lato B Portobello Road viceversa ha il testo di Kim Fowley e musica di Stevens. Comunque il 45 giri è un successo che entra al 28° posto delle classifiche. Entrambi i brani vengono inseriti in
Matthew And Son – 1967 Deram ***
Il primo album, prodotto proprio da Hurst, si avvale dell’utilizzo di orchestrali vari e musicisti di studio, tra cui spiccano John Paul Jones al basso e Nicky Hopkins alle tastiere nella title track Matthew And Son, che addirittura raggiunge il 2° posto nelle charts, e l’album complessivamente al n°7. Mica male per un debutto. Ovviamente negli anni il disco è uscito anche in CD, aggiungendo di volta in volta parecchi brani nelle varie riedizioni, quella del 2003 arriva a 22 pezzi.Niente per cui strapparsi le vesti, gli arrangiamenti con archi e fiati sono a tratti invadenti, però il singolo di Matthew And Son ha una bella grinta R&B con il marcato groove del basso di JP Jones, la voce di Cat Stevens che è già quella profonda e risonante che conosciamo, un tipico buon 45 giri dell’epoca, come pure I Love My Dog, arrangiamenti, ridondanti ma non irritanti, a parte, ha una bella melodia, arpeggi di chitarra acustica, a cura dello stesso Cat.
Anche Here Comes My Baby (un successo per i Tremeloes sui due lati dell’oceano) è un gradevole esempio di pop britannico dell’epoca, mentre in altre canzoni ci sono influenze sudamericane ed in altre di cantautori americani ammirati come Dylan e Paul Simon, per esempio, fischiettata a parte, nelle chitarre arpeggiate di Portobello Road. A marzo, esce un altro singolo non incluso nell’album, ma nella riedizione in CD, I’m Gonna Get Me A Gun ,che raggiunge il sesto posto delle classifiche: un buon esordio, è nata una stella. Stevens gira l’Inghilterra con Engelbert Humperdinck e Jimi Hendrix, e la casa discografica lo spedisce in studio a registrare un seguito
New Masters -1967 Deram **1/2
Che però si rivela un clamoroso flop commerciale, anche se contiene The First Cut Is The Deepest, che sarà un grande successo per P.P. Arnold e qualche anno dopo per Rod Stewart. La canzone obiettivamente è bella, anche nella versione di Cat Stevens, un pezzo folk-pop con una melodia immediata, anche se al solito molto orchestrata: lo stesso non si può dire del resto dell’album, registrato ai Decca Studios e pubblicato a dicembre 1967. Il singolo Kitty è allegrotto, ma non particolarmente memorabile, appena meglio A Bad Night aggiunto all’edizione in CD, ma anche questo fa molto Eurovision Song Contest, insomma si fatica a ricordare qualche canzone, forse la delicata Blackness Of The Night, e nonostante il costante touring anche durante tutto il 1968, nulla succede.
1970-1978 Gli Anni Del Grande Successo
All’inizio del 1969 Stevens contrae la tubercolosi, va vicino alla morte, rimane a lungo in ospedale e poi durante una lunga convalescenza si dà alla meditazione, allo yoga, agli studi di metafisica e di altre religioni, diventa vegetariano, ed avendo molto tempo a disposizione scrive circa 40 canzoni, che poi appariranno sui suoi album nel corso degli anni successivi, e decide per un cambio totale del suo stile musicale e dei contenuti letterari dei testi: dopo una audizione con Chris Blackwell viene messo sotto contratto per la Island, che lo affida al produttore Paul Samwell-Smith, ex bassista degli Yardbirds, che per lui avrà la stessa importanza di Chas Chandler per Jimi Hendrix, e gli cuce addosso uno stile folk-rock, affiancandogli il chitarrista acustico Alun Davies, che sarebbe dovuto rimanere per un solo album, ma sarà fedele compagno ed amico in tutta la prima parte della carriera di Cat: registrato a gennaio e febbraio del 1970 tra Olympic Studios e Abbey Road arriva
Mona Bone Jakon – 1970 Island/A&M ****
L’ho già ricordato nella recensione dell’ultimo album https://discoclub.myblog.it/2020/10/19/anche-questo-disco-compie-50-anni-facciamolo-di-nuovo-cat-stevensyusuf-tea-for-the-tillerman2/ , ma così ci togliamo il pensiero sullo strano titolo dell’album, lo ha detto lui stesso, era un nomignolo per il suo pene, che ci vogliamo fare? Venendo a cose più serie Cat Stevens firma un contratto per pubblicare i suoi album anche negli Usa con la A&M: la prima canzone del disco, e il primo singolo a uscire è Lady D’Arbanville, dedicata alla sua “vecchia” fidanzata, la modella e attrice Patty D’Arbanville, si tratta di una delicata e sognante ballata, tutta giocata sulla chitarra acustica arpeggiata in fingerpicking di Davies, ma anche sulle percussioni di Harvey Burns e il contrabbasso di John Ryan, oltre alle tastiere e alla chitarra suonate dallo stesso Stevens che inaugura quello stile particolare dove la sua voce ora sussurra, ora si arrampica, mantenendo comunque quel timbro profondo e risonante, tipico del suo stile vocale.
Come ribadisce la bellissima Maybe You’re Right dove le improvvise esplosioni della voce ben si amalgamano anche con i sobri arrangiamenti orchestrali di Del Newman, nulla a che vedere con quelli pomposi del periodo Deram. In Pop Star ci sono anche retrogusti vagamente white soul con la voce che sale e scende di continuo, sottolineata dal basso e dall’acustica e da improvvisi coretti. Nella mossa e pianistica I Think I See The Light il ritmo si fa più incalzante, con improvvise accelerazioni che ricordano come arrangiamenti quello che sull’altro lato dell’oceano stavano facendo Carole King e altri cantautori e cantautrici allora nascenti come movimento.
Altra canzone splendida di questo album è Trouble, sempre con un arrangiamento complesso e ricercato, senza rinunciare alla immediatezza delle melodie del nostro. Mona Bone Jakon, con la voce raddoppiata e minacciosa, e sapendo ora il significato del termine, potrebbe essere anche triviale, ma d’altronde pure Chuck Berry ha dedicato un brano al suo Ding-A-Ling e i bluesmem ci sguazzavano nei doppi sensi. Tre brani del disco tra l’altro vennero inseriti nella colonna sonora della commedia nera Harold e Maude, due appena ricordate e la terza, l’altrettanto bella I Wish, I Wish, una ennesima prova dell’ispirazione che lo sorreggeva in quel periodo, altro pezzo affascinante anche a livello strumentale con la chitarra di Alun Davies e il piano del nostro in bella evidenza, oltre ad intricati passaggi vocali.
La soffusa Katmandu prevede la presenza di un giovane Peter Gabriel al flauto, la breveTime, con la classiche pennate dell’acustica in primo piano, precede Fill My Eyes, un altro classico esempio del folk cantautorale sviluppato da Stevens e soci per questo album, che si chiude sulle note di Lillywhite, un’altra delle sue eteree canzoni d’amore dove gli archi di Newman sono protagonisti di un superbo lavoro di coloritura. Proprio in questi giorni è annunciata una nuova Deluxe Edition in 2 CD, di cui però non so i contenuti (ma li troverete nell’appendice di questo articolo). All’inizio l’album non sfonda subito a livello commerciale ma poi lentamente diventa disco di platino in tutto il mondo e spiana la strada per
Tea For The Tillerman – 1970 Island/A&M *****
Il classico disco da 5 stellette, a parte per il critico del Village Voice Robert Christgau che lo definì monotono, ma il giornalista di New York era uno specialista nello stroncare i dischi (non sempre). I musicisti sono gli stessi del disco precedente, ma l’album contiene alcune canzoni che sono diventate degli standard assoluti della canzone d’autore, a partire da Father And Son una canzone sui conflitti generazionali che ancora oggi rimane il brano più popolare della discografia di Cat Stevens, come peraltro tutto l’album, tanto che come Yusuf/Cat Stevens lo ha voluto re-incidere in una nuova versione targata 2020 (ma la versione originale rimane insuperata) e la cui recensione avete letto in altre pagine virtuali del Blog.
Per cui, visto che le canzoni sono tutte famosissime e molto belle, qui le indico: Where Do The Children Play?, un capolavoro di equilibri sonori, con un testo splendido dove Stevens si interroga sul progresso e il futuro della tecnologia, il tutto cantato in modo impeccabile da Cat, che poi si supera in Hard Headed Woman dove la sua voce raggiunge vette incredibili di bellezza, mentre gli archi, la batteria, la chitarra, si intrecciano ai limiti della perfezione, molto bellaWild World la storia di un amore fallito che viene coniugata ad una musica struggente ed ad una parte cantata sempre superba, oltre che ad una melodia indimenticabile.
E anche Sad Lisa potrebbe trattare della stessa ragazza che lo ha lasciato, ma il tema sonoro, sottolineato dal pianoforte, è più malinconico, addirittura triste a tratti, con la voce sempre più espressiva del nostro amico a sottolineare il pathos del brano. Miles From Nowhere ancora magnifica con un crescendo superbo, la voce che si erge autoritaria sull’arrangiamento avvolgente da moderno gospel, seguita dalla breve But I Might Die Tonight dove tratta il tema del futuro e del lavoro mal pagato, con un impeto e una rabbia quasi incredula. Longer Boats parte con un fade-in degno dell’afflato di certi brani di Harry Belafonte e poi si sviluppa in un’altra solenne melodia, che lascia spazio nella successiva Into White ad arditi versi porti con una musicalitàpiù intima e profonda sulle ali di un violino solista.
On The Road To Find Out con i consueti arpeggi iniziali di Davies rimandano alle origini della musica greca, sempre presente nel vocabolario sonoro della musica di Stevens, qui unite all’uso delle voci sullo sfondo per sottolineare le improvvise esplosioni della musica attraverso la batteria di Burns, di Father And Son abbiamo detto, magari vorrei sottolineare le due tonalità usate da Cat per il padre, più maturo e saggio, ed il figlio, più impetuoso ed impaziente, con un registro più alto, fino all’ingresso a metà brano anche di quella di Alun Davies, che sottolinea il testo, superba. Chiude la breve title track, la pianistica Tea For The Tillerman dedicata al “Timoniere”, effigiato anche nella copertina dell’album, disegnata dallo stesso Cat. Dell’album esiste anche una versione doppia Deluxe in CD, che vi consiglio vivamente, visto che riporta anche un paio di demo e molto materiale dal vivo (in ttesa di quell nuova in uscita al 4 dicembre). Ad ottobre del 1971, quindi sempre sulla spinta ispirativa che lo percorre senza requie, ma già registrato a partire da luglio 1970, fino a marzo dell’anno successivo, una parte in Inghilterra e parte in California, viene pubblicato, sulle ali dell’enorme successo, il terzo album di questa ideale trilogia
Teaser And The Firecat – 1971 Island/A&M****1/2
Forse mezza stelletta in meno, ma un altro album favoloso. Oltre a Davies e Burns che rimangono, si aggiungono il bassista Larry Steele e il batterista Gerry Conway, oltre al tastierista Jean Roussel, originario delle isole Mauritius, in tre brani, e tre o quattro ospiti solo in un brano ciascuno, rimane anche Del Newman per la parte orchestrale.
Dieci brani, ancora tutti di grande spessore: apertura con The Wind, breve canzone delicata sempre costruita intorno all’interplay delle due acustiche di Stevens e Davies, a seguire, nell’alternanza dei temi e dei tempi musicali, la deliziosa Rubylove, registrata a Los Angeles,dove appaiono i due bouzouki di Andreas Toumazis e Angelos Hatzipavli a conferire un frizzante aroma greco alla musica, confermato anche da un verso cantato in lingua ellenica dal nostro, bellissimi anche gli intrecci vocali.
If I Laugh è un’altra di quelle perle acustiche che fluivano senza sforzo dalla penna di Cat, sempre abbellite da piccoli ma suggestivi interventi degli altri musicisti, in questo caso il contrabbasso e le percussioni appena accennate, oltre ai coretti dello stesso Stevens; Changes IV, uno dei brani più mossi, dove alle chitarre strimpellate si alternano le consuete esplosioni percussive della batteria, rafforzate anche dal battito di mani, mentre il testo ha quell’impeto di proselitismo di alcune sue canzoni più impegnate, estrinsecato anche nell’uso corale delle varie voci.
How Can I Tell You viceversa è una delle sue consuete dolci canzoni d’amore, impreziosita dalle armonie vocali della brava Linda Lewis (un po’ di gossip, anche lei una delle sue varie “fidanzate” dell’epoca?), ottima anche Tuesday’s Dead, con il suo sound caraibico, groove di basso irresistibile, percussioni come piovesse, l’organo Hammond di Roussel, una esplosione di pura gioia, Poi arrivano i pezzi forti dell’album (non che gli altri siano brutti): Morning Has Broken, un brano tradizionale, arrangiato ed adattato da Cat, il pianoforte fluente è suonato da Rick Wakeman, non accreditato, è una incantevole ode al giorno che si affaccia, cantata con grande trasporto da un ispirato Stevens.
Incantevole anche l’esuberante Bitterblue dove Cat Stevens ci regala un’altra grande interpretazione vocale, come ha detto qualcuno, e concordo anch’io, forse non poteva competere con la potenza vocale di un Van Morrison o con lo charme di James Taylor tra i suoi concorrenti dell’epoca, ma anche lui aveva un suo perché. Moonshadow è un altro dei grandissimi successi dell’album, oltre ad essere una canzone di notevole fascino, con un crescendo strepitoso, fino al falsetto finale e il terzo ed ultimo singolo estratto dall’album è la superba Peace Train, che traccia l’impegno sociale e spirituale crescente del suo autore, che sul ritmo incalzante della sua band rilascia una ennesima prestazione vocale di prima qualità, sorretta dai coretti gospel avvolgenti, dal lavoro discreto ma fondamentale degli archi, dalle esplosioni della batteria, e dal lavoro immancabile delle chitarre, un piccolo capolavoro.
Come per il disco precedente esiste una versione Deluxe in due CD, con demo e brani dal vivo anche registrati anni dopo, che poi sarebbe quella da avere.
Cat Stevens/Yusuf – Tea For The Tillerman2 – Decca/UMC/Universal
Nel novembre del 1970, quando esce Tea For The Tillerman, Cat Stevens ventiduenne cantautore di belle speranze, nato a Londra, ma di chiare origini greche, aveva già pubblicato tre album, due ancora da teenager nel 1967 per la Deram, dischi che avevano avuto un certo successo, Matthew And Son era entrato nella Top 10 britannica, e il secondo New Masters conteneva una canzone, The First Cut Is The Deepest, venduta per 30 sterline a P.P. Arnold, e negli anni a venire una hit per Rod Stewart, anche se il suo repertorio veniva considerato leggero e disimpegnato. Poi nel 1969 contrae la tubercolosi, e nel lungo periodo di convalescenza ha tempo per meditare e ripensare a come impostare la sua carriera. Intanto un nuovo contratto per la Island, poi la scelta di un nuovo produttore, nella persona dell’ex Yardbirds Paul Samwell-Smith, e infine la scelta di uno stile musicale, diciamo folk rock, che gira attorno al suono delle chitarre di Cat e Alun Davies. Già ad aprile esce un primo disco molto bello Mona Bone Jakon(che sarà mai? Il suo pene), con il giovane Peter Gabriel, anche lui in rampa di lancio, al flauto in Katmandu, ma contiene anche Lady D’Arbanville e Trouble: discreto successo, ma niente di più.
Il nostro insiste e appunto a novembre esce Tea For The Tillerman, copertina suggestiva ed una serie di canzoni splendide, che non citiamo perché ne parliamo fra un attimo. A 50 anni dal disco originale Stevens, poi diventato Yusuf, e di nuovo Cat, decide, su sollecitazione anche del figlio, di riprendere in mano il vecchio album e inciderlo ex novo: nella copertina Tillerman (Il Timoniere) indossa un casco spaziale, e i due bambini ascoltano musica con le cuffiette e si scambiamo messaggi via cellulare. Il mondo è diventato più scuro e burrascoso, ma Stevens cerca di renderlo migliore riproponendoci temi universali di speranza, amore e condivisione, che erano alla base del progetto originale. Per farlo richiama in Francia, nell’estate pre-Covid del 2019, il produttore originario Samwell-Smith, Alun Davies, ed una serie di musicisti della live band di Yusuf: il bassista Bruce Lynch, membro della band dalla metà degli anni ‘70, il chitarrista Eric Appapoulay e il polistrumentista Kwame Yeboah, oltre al chitarrista Jim Cregan, (ex Family e Rod Stewart). Il disco si chiama Tea For The Tillerman2, anzi, al cubo, e ripropone la stessa sequenza dell’album originale, con la sola variazione della canzone Wild World, un enorme successo anche per Jimmy Cliff, che diventa Wild World Rag.
Anche il suono e gli arrangiamenti sono molto simili, e la voce di Cat Stevens/Yusuf non ha perso un briciolo del suo fascino, sempre profonda e risonante, ovviamente più vissuta e matura. Quindi niente ricerche di nuove strade sonore, solo un “aggiornamento” alle moderne tecnologie di registrazione: si parte con Where Do The Children The Play?, sempre di estrema attualità, un piano elettrico e le chitarre acustiche ci riconducono alla splendida melodia, poi entra quella voce inconfondibile, tra nuovi intrecci vocali e orchestrali, e parte il viaggio di riscoperta, si spera, anche per le nuove generazioni, magari munite di cuffiette. L’album lo conosciamo, e quindi ecco arrivare Hard Headed Woman, in un florilegio di acustiche arpeggiate, tastiere accarezzate e una elettrica che rafforza la coralità della musica, Wild World Rag è rallentata in un inconsueto tempo di ragtime con un clarinetto e una fisarmonica, oltre al piano, che virano verso atmosfere old time jazz. Sad Lisa è sempre malinconica, tenue ed intima, la voce che naviga sul piano elettrico è più fragile; Miles From Nowhere viceversa ha la forza della versione originale, sempre irrorata da sapori gospel ben evidenziati dai cori di contrappunto e anche un bel piglio elettrico, mentre But I Might Die Tonight con una chitarrina tintinnante ha un bel nuovo complesso arrangiamento orchestrale con retrogusti quasi orientaleggianti.
Into The White propone di nuovo l’interscambio delizioso tra le acustiche di Stevens e Davies, e la voce raddoppiata di Cat. On The Road To Find Out, tra percussioni, elettriche insinuanti e tastiere immanenti suona più moderna e lavorata, quasi inquietante e sembra una di quelle più cambiate rispetto alla versione del 1970, a mio parere molto più bella; a seguire il capolavoro assoluto del disco, quella Father And Son che rimane uno dei più affascinanti inni intergenerazionali di sempre, oggi come ieri, con un nuova breve intro con uso di lap steel, poi vieni preso da quella sublime melodia che si insinua sottopelle e ti trasporta. Chiude la breve e pianistica Tea For The Tillerman, un riassunto in meno di un minuto dei temi dell’album. Se volete un parere personale, meno bello dell’originale, ma comunque sempre un buon album, non solo per fan.
Cat Stevens – Back To Earth Super Deluxe Edition – BMG Rights Management/Warner 5CD/BluRay/2LP Box Set
Doveva uscire nel 2018 in una edizione finanziata con il crowfunding e gestita da Pledge Music: poi la piattaforma ha avuto vari problemi finanziari e alla fine ne è stato annunciato il fallimento, con grande scorno di tutti coloro che avevano pagato anticipatamente per avere il Box. Dopo qualche mese di incertezza è intervenuto direttamente il sito di Yusuf/Cat Stevens che ha annunciato, in accordo con la casa discografica, che il progetto sarebbe stato portato a termine e chi aveva ordinato il cofanetto avrebbe ricevuto la Superdeluxe Edition. A questo punto si era arrivati alla fine del 2019 e tutti coloro che avevano aderito hanno ricevuto una mail in cui veniva annunciato che al più presto possibile sarebbero stati evasi tutti gli ordini in sospeso. E a dimostrazione della buona volontà il 25 ottobre dello scorso anno è stata pubblicata la ristampa rimasterizzata di Back To Earth in versione singolo CD o LP. Poi, mentre veniva annunciata per il 10 aprile l’uscita del cofanetto, è scoppiata la pandemia e l’uscita del box era stata rinviata a data da destinarsi, verso la fine del 2020: però, a sorpresa, in quel periodo è stata spedita a tutti coloro che avevano effettuato il crowfunding l’edizione speciale per i sottoscrittori, che in più rispetto a quella che verrà rilasciata sul mercato aveva un T-Shirt speciale, un 45 giri e un certìficato di garanzia.
Per la serie “meglio tardi che mai” ecco finalmente tra le mie mani la pluririmandata edizione Super Deluxe di Back To Earth, album del 1978 di Cat Stevens, un cofanetto le cui peripezie sono state esposte con estrema chiarezza qua sopra da Bruno. Vorrei solo aggiungere una personale considerazione sulla bizzarria che, come primo album al quale riservare tale trattamento, non sia stato scelto uno dei due capolavori del 1971 Tea For The Tillerman (del quale a settembre uscirà la versione reincisa ex novo) o Teaser And The Firecat, entrambi fermi alla ristampa “solo” doppia del 2008, ma bensì quello che per ben 28 anni rimarrà l’ultimo disco di musica “occidentale” del musicista britannico di origine greca. Anzi, se fosse stato per Stevens probabilmente Back To Earth non sarebbe neppure uscito, dato che all’epoca il nostro si era già convertito alla religione musulmana assumendo il nome di Yusuf Islam (oggi abbreviato in Yusuf per chiare regioni di marketing) ma per contratto doveva ancora un album alla Island, sua etichetta di allora. Al momento dell’uscita il disco fu anche criticato, ma secondo me ingiustamente: pur non essendo un capolavoro infatti Back To Earth segnava fin dal titolo un ritorno di Cat alle atmosfere semi-acustiche di inizio decade, con una qualità media di canzoni superiore alle sue ultime pubbllicazioni, una boccata d’aria fresca dopo il pasticciato Isitzo dell’anno prima ma anche meglio sia di Buddha And The Chocolate Box e Numbers e forse anche dell’ambizioso Foreigner (in poche parole, il migliore da Catch Bull At Four del 1972).
Peccato che per sentire di nuovo la voce del songwriter inglese su un disco non a carattere islamico bisognerà poi aspettare fino al 2006. L’album segnava anche il ritorno alla produzione dopo quattro anni d’assenza di Paul Samwell-Smith, e vedeva Stevens a capo di una solida band guidata come sempre dal chitarrista Alun Davies, con nomi di spicco soprattutto tra i batteristi (Dave Mattacks, Gerry Conway e Steve Jordan) ed un uso più parco dei sintetizzatori rispetto alle ultime uscite. L’album presenta tre fra le migliori ballate del nostro, cioè la splendida Just Another Night e le toccanti Last Love Song e Never (due canzoni d’amore finito, interpretabili anche come un addio ai suoi fans), ma anche la pianistica Randy non è affatto male nonostante un lieve eccesso di zucchero. Non mancano brani più vivaci, come l’elettrica e roccata Bad Breaks e la pimpante ed orecchiabile New York Times; completano il quadro la tenue Daytime, la discreta funky ballad Father ed un paio di strumentali non imperdibili, The Artist e Nascimento. Il cofanetto appena uscito, molto ricco di contenuti (bellissimo il libro incluso, rilegato in velluto verde), presenta sul primo CD l’album originale con una nuova rimasterizzazione, mentre sul secondo troviamo lo stesso disco nel missaggio del 1978 (e, tanto per non ripetersi, anche il primo dei due vinili e la parte audio del BluRay presentano il medesimo lavoro).
Il terzo dischetto, intitolato Unearthed, è quello più interessante insieme al quinto, dal momento che presenta inediti ed altre chicche; l’apertura è riservata a due brani mai sentiti incisi all’epoca e poi lasciati da parte: Butterfly è una discreta ballata, leggermente mossa e caratterizzata da un’orchestrazione tipica di fine anni settanta, mentre è nettamente meglio Toy Heart, un folk-rock elettrificato nel classico stile gentile del nostro, con melodia ed accompagnamento decisamente belli (e mi chiedo perché non fosse finito sul disco originale). Ci sono poi due interessanti missaggi alternati di New York Times e Last Love Song, una godibile versione strumentale di Bad Brakes, una Nascimento diversa (non di molto) ed un bel demo di Just Another Night. Particolarmente gradita la presenza di quattro ottime ed ispirate riletture dal vivo di Daytime, Bad Brakes, Last Love Song e Just Another Night, tutte inedite e registrate in anni recenti, tra il 2009 ed il 2017. Il quarto CD presenta una selezione di brani da Alpha Omega (A Musical Revolution), un doppio album uscito nel 1979 ed accreditato al compositore ed arrangiatore David Gordon, che altri non è che il fratello di Cat (il quale produce il disco e compare come voce solista in un brano).
Un concept album di impianto teatrale, tipo musical, con alcune canzoni di buon livello ed altre meno riuscite, e diversi vocalist tra i quali, Cat a parte, l’unico un po’ famoso è David Essex. Lo stile in certi momenti può ricordare quello delle ballate dell’Alan Parsons Project, ed i pezzi migliori rispondono ai titoli di I Who Am I, I See That Face, Dreamer e World; discorso a parte per la splendida Child For A Day, una deliziosa ballata pianistica che è di gran lunga il brano migliore e che ovviamente è quella scelta da Stevens per sé stesso. E veniamo al quinto ed ultimo CD (il cui contenuto è replicato nel secondo LP e nella parte video del BluRay), che presenta la partecipazione di Stevens al concerto benefico per l’Unicef Year Of The Child tenutosi alla Wembley Arena di Londra il 22 novembre del 1979, una serata durante la quale Cat divideva il cartellone, tra gli altri, ancora con Essex, Gary Numan ed i Wishbone Ash.
Lo show è importante in quanto è l’ultimo che vede il nostro esibirsi come Cat Stevens, ed il suo ultimo concerto “rock” per quasi tre decadi. Otto canzoni splendide eseguite con accompagnamento elettroacustico ma senza batteria, che da sole valgono buona parte del prezzo richiesto per il cofanetto: Back To Earth è rappresentato solo dall’immancabile Just Another Night e da Daytime (quest’ultima in medley con la nota e bellissima Where Do The Children Play?), ma poi possiamo ascoltare eccellenti riprese di classici assoluti come The Wind, On The Road To Find Out e le mitiche Father And Son, Morning Has Broken e Peace Train; chiusura con una strepitosa rilettura di Child For A Day in compagnia di Essex e, soprattutto, Richard Thompson, che non faceva parte del cast della serata ma aveva voluto raggiungere lo stesso il nostro sul palco.
Un cofanetto che non posso definire imperdibile dal momento che celebra un disco che non fa parte degli album leggendari del passato (e poi non costa pochissimo), ma che offre una serie di contenuti aggiuntivi davvero interessanti e difficili da ignorare per i fans del “Gatto”.
Cat Stevens – Back To Earth – Bmg Rights Management Superdeluxe Edition 5 CD/2LP/Blu-ray/Libro rilegato 50 pagine E Memorabilia Varia- 31-07-2020
Doveva uscire nel 2018 in una edizione finanziata con il crowfunding e gestita da Pledge Music: poi la piattaforma ha avuto vari problemi finanziari e alla fine ne è stato annunciato il fallimento, con grande scorno di tutti coloro che avevano pagato anticipatamente per avere il Box. Dopo qualche mese di incertezza è intervenuto direttamente il sito di Yusuf/Cat Stevens che ha annunciato, in accordo con la casa discografica, che il progetto sarebbe statp portato a termine e chi aveva ordinato il cofanetto avrebbe ricevuto la Superdeluxe Edition. A questo punto si era arrivati alla fine del 2019 e tutti coloro che avevano aderito hanno ricevuto una mail in cui veniva annunciato che al più presto possibile sarebbero stati evasi tutti gli ordini in sospeso. E a dimostrazione della buona volontà il 25 ottobre dello scorso anno è stata pubblicata la ristampa rimasterizzata di Back To Earth in versione singolo CD o LP.
Poi, mentre veniva annunciata per il 10 aprile l’uscita del cofanetto, è scoppiata la pandemia e l’uscita del box era stata rinviata a data da destinarsi, verso la fine del 2020: però, a sorpresa, in quel periodo è stata spedita a tutti coloro che avevano effettuato il crowfunding l’edizione speciale per i sottoscrittori, che in più rispetto a quella che verrà rilasciata sul mercato aveva un T-Shirt speciale, un 45 giri e un certìficato di garanzia. Infine la pubblicazione è stata fissata per la fine di Luglio e quindi a breve dovrebbe essere in vendita. Il contenuto lo vedete nell’immagine ad inizio Post, comunque si tratta dell’album originale rimasterizzato in CD dai nastri analogici agli Abbey Road Studios, e posso confermare, essendo uno dei possessori, della qualità superba del suono (anche il disco non è male, l’ultimo di CatStevens ad uscire prima del ritiro dalle scene nel 1978, il dodicesimo della discografia, del cambio del nome in Yusuf Islam per la sua conversione.
Seguito da un lungo stop durato 29 anni, interrotto di tanto in tanto da dichiarazioni non proprie felici, tipo l’adesione almeno parziale alla Fatwa contro la scrittore Salman Rushdie, l’appoggio del regime iraniano, i problemi, dopo le Torri Gemelle, ad avere il visto per recarsi negli Stati Uniti nel 2004. Però ha fondato anche diverse associazioni benefiche per la raccolta di fondi contro le carestie, ha donato i proventi di alcune uscite disografiche avvenute nel frattempo. Poi è rientrato sulle scene e lentamente si è riappropriato anche del suo vecchio repertorio, del nome d’arte,e poi dei vecchi fans, tanto che il 18 settembre 2020 come Yusuf/Cat Stevens è annunnciata l’uscita, per la sua vecchia etichetta, diTea for the Tillerman², dove ha reinciso ex novo tutte le canzoni dell’album originale in nuove versioni: ma ne parleremo quando sarà il momento.
Torniamo ai contenuti del box di Back To The Earth: il CD 2 Return To Earth è l’originale stereo master del 2001, i CD 3 4 e 5 contengono materiale raro ed inedito, dal vivo e in studio, di cui trovate il dettaglio a seguire, il Blu-Ray contiene Year Of The Child Concert at Wembley Arena 1979, che è il concerto presente anche in versione audio nel CD 5, oltre alla versione lossless dell’album, mentre i due vinili riportano l’album originale e sempre il concerto per l’Unicef a Wembley del 1979, con Richard Thompson tra gli ospiti.
Ecco la tracklist completa con tutti i contenuti
[CD1: Remastered – Original album remastered from analogue tapes] 1. Just Another Night 2. Daytime 3. Bad Brakes 4. Randy 5. The Artist 6. Last Love Song 7. Nascimento 8. Father 9. New York Times 10. Never
[CD2: Return to Earth – The original stereo mix] 1. Just Another Night 2. Daytime 3. Bad Brakes 4. Randy 5. The Artist 6. Last Love Song 7. Nascimento 8. Father 9. New York Times 10. Never
[CD3: Unearthed – Live tracks, rare demos and two beautiful, completely unheard recordings] 1. Butterfly (previously unreleased) 2. Toy Heart (previously unreleased) 3. New York Times (new mix) previously unreleased 4. Just Another Night (demo) previously unreleased 5. Last Love Song (Session Mix) previously unreleased 6. Daytime (Live 2017 Adelaide) 7. Bad Brakes (Live 2011 Albert Hall) 8. Last Love Song (Live 2014 Toronto) 9. Nascimento (Solto) previously unreleased 10. Just Another Night (Live 2016 Nashville) 11. Bad Brakes (instrumental) previously unreleased
[CD4: Alpha Omega (A Musical Revelation) – Completion of the circle. Cat helps his brother David realise his own musical ambition by producing the 1978 album Alpha Omega, featuring the much loved ‘Child For A Day’] 1. Universe 2. I Who Am I 3. Paradise 4. Inventions 5. I See That Face 6. Child For A Day 7. Sing, Love Is Everywhere 8. Alpha Omega 9. Music Is The 7th Wonder 10. Dreamer 11. World 12. Listen To Me 13. I Believe
[CD5: UNICEF Year Of The Child Concert at Wembley Arena 1979 – The last love song. Cat performs under this name, what will be his final farewell at UNICEF’s 1979 Year Of The Child charity concert at London’s Wembley Arena.] 1. The Wind with intro from Paul Gambaccini 2. On The Road To Find Out 3. Just Another Night 4. Daytime/Where Do The Children Play? 5. Father & Son 6. Morning Has Broken (with Belmont Junior School Choir) 7. Peace Train 8. Child For A Day (with Richard Thompson and David Essex)
[BLU-RAY] The Year Of The Child – Historical concert footage + original album lossless audio
[LP1: Remastered – Original album remastered for vinyl from analogue tapes] 1. Just Another Night 2. Daytime 3. Bad Brakes 4. Randy 5. The Artist 6. Last Love Song 7. Nascimento 8. Father 9. New York Times 10. Never
[LP2: Year Of The Child Concert at Wembley Arena 1979] 1. The Wind with intro from Paul Gambaccini 2. On The Road To Find Out 3. Just Another Night 4. Daytime/Where Do The Children Play? 5. Father & Son 6. Morning Has Broken (with Belmont Junior School Choir) 7. Peace Train 8. Child For A Day (with Richard Thompson and David Essex)
La recensione completa dopo l’uscita del manufatto.
The White Buffalo – On The Widow’s Walk – Snakefarm/Universal Record – CD – LP29-05 – Download 17-04
Bisogna riconoscerlo, questo ragazzone non sbaglia un colpo. Stiamo parlando di Jake Smith a.k.a. The White Buffalo, che con Matt Lynott alla batteria, e Christopher Hoffeealle chitarre e basso, danno vita e voce alla formazione dei Jelly Crew. Storia singolare e direi anche fortunata, quella di questo musicista californiano che, pur essendo in circolazione da circa una ventina d’anni, deve la visibilità e un relativo successo dalla ribalta offerta (come già detto in altre occasioni) dalla serie televisiva Sons Of Anarchy e dalla relativa colonna sonora, che ha permesso al buon Jake Smith di allargare di molto il bacino del suo pubblico e di suonare davanti a platee sempre più ampie e sparse nel mondo, anche nel nostro paese (era pure in programma un concerto all’Alcatraz di Milano, rinviato per il Covid).
A partire dall’EP Prepare For Black & Blue (10) e Once Upon A Time In The West (12), il percorso è proseguito regolarmente con Shadows, Greys & Evil Ways (13), Love & The Death Of Damnation (15), e a distanza di tre anni dall’ultimo lavoro Darkest Darks, Lightest Lights (17)https://discoclub.myblog.it/2017/10/23/ancora-sulle-strade-della-california-white-buffalo-darkest-darks-lightest-lights/ , continuano il loro progetto artistico con questo settimo lavoro On The Widow’s Walk, composto da undici brani per una quarantina di minuti di sano “folk-rock” all’americana, con la produzione affidata all’amico e collega Shooter Jennings che suona anche pianoforte e tastiere, con la particolarità che il tutto è stato registrato in presa diretta nell’arco di una sola settimana.
On The Widow’s Walk (come alcuni lavori precedenti) è una sorta di “concept-album” che si apre con la geniale e bella Problem Solution, che parte in modo energico con la voce calda e baritonale di Jake, per poi cambiare ritmo con l’ingresso del pianoforte di Jennings e diventare più pacata, mentre la seguente The Drifter è costruita sugli stilemi della classica ballatona “country”, per poi cambiare di nuovo ritmo con la batteria cadenzata di No History, un brano che ricorda il miglior Steve Earle, e passare ad una canzone da cantautore classico come Sycamore, con un “sound” lento e ricco di “pathos”.
Si riparte con il folk crepuscolare di Come On Shorty (chissà perche la mente corre al Cat Stevens prima della conversione islamica ?), per poi dimostrare che sotto la barba e un “corpaccione” c’è un cuore tenero, nella ballata più bella del disco, una delicata e malinconica Cursive, costruita intorno al piano del produttore e la voce incredibile di Smith.Come da prassi subito dopo si passa alle accelerazioni rock (alla Counting Crows) di Faster Than Fire, mentre la “title track” Widow’s Walk è un perfetto pezzo radiofonico da sentire e risentire sulle strade assolate californiane.
La successiva River Of Love And Loss è una canzone scarna e inquietante, con la voce profonda di Jake che segue le note di una chitarra e in sottofondo il lamento di un violino, un insieme che trasmette un senso di dolore, seguita da una meravigliosa e cinematografica The Rapture, dai ritmi “dark” e oscuri con un crescendo di “ululati” da parte del buon Smith, e andare infine a chiudere con un’altra tenera ballata I Dont’t Know A Thing About Love, guidata dal pianoforte, archi e violino, il modo migliore per chiudere un lavoro splendido, dove si può trovare folk, blues, country, rock stradaiolo, suoni vari e tanto altro ancora. Mi viene colpevolmente il dubbio che i White Buffalo (un moniker perfetto), senza il colpo di “fortuna” citato all’inizio avrebbero continuato il loro percorso da “country hobos” per percorrere in lungo e in largo gli States come una band tra tante (quindi un tipico caso di “sliding doors”), invece di diventare un gruppo essenziale, soprattutto nella persona del loro leader, un autore e narratore di spessore, un gigante dall’animo sensibile, che narra storie di vita vissuta, di perdenti, dell’America ben raccontata da Jack Kerouac (delinquenti, ubriaconi, reduci di guerra) senza mai perdere un briciolo di dignità.
On The Widow’s Walk è merito dell’accoppiata perfetta White Buffaloe Shooter Jennings (il “compagno di merende” ideale anche per i prossimi lavori), con l’apporto dei Jelly Crew, un lavoro dove domina la voce di Jake Smith un incrocio tra Eddie Vedder e Johnny Cash (baritonale intensa e calda), insomma il disco giusto per scappare dal periodo che stiamo vivendo.Imperdibile per tutti i “Bikers”, per le atmosfere alla Easy Rider, ma anche per gli amanti della musica “Americana”. *NDT Dopo alcuni rinvii, finalmente il disco esce in formato fisico venerdì 29 Maggio, prima era disponibile solo per il download.
La storia di Bill Fay, cantautore e pianista inglese classe 1943 (nato e residente a Londra), potrebbe essere il soggetto per un film. Autore di due album dalla vena intimista per la Deram nel 1970 e 1971 (Bill Fay e Time Of The Last Persecution), Bill fu scaricato senza tanti complimenti dall’etichetta dopo il secondo lavoro, sia per i suoi toni troppo pessimistici che per le vendite pressoché nulle; questo evento gettò Fay in una profonda depressione che durò anni, e nonostante verso la fine della decade avesse ripreso a scrivere e ad incidere, il risultato di quelle sessions rimase nei cassetti ed il nostro fece “musicalmente” perdere le sue tracce per quasi trent’anni. Una storia per certi versi simile a quella di Sixto Rodriguez, ma a differenza del musicista americano che riprenderà ad esibirsi senza però pubblicare nuovo materiale, Fay ritornerà a sorpresa nel 2012 con l’ottimo Life Is Peoplehttps://discoclub.myblog.it/2012/08/13/il-ritorno-di-un-genio-bill-fay-life-is-people/. Parte del merito della riscoperta di Bill va a Jeff Tweedy, che con i suoi Wilco era uso suonare dal vivo una cover della sua Be Not So Fearful ed in seguito si era adoperato affinché venissero pubblicate le sessions inedite di Fay del periodo 1978-1981, cosa che avverrà nel 2005 con Tomorrow, Tomorrow & Tomorrow.
Ma come ho detto poc’anzi il vero ritorno di Bill è stato con Life Is People, un CD sorprendentemente pieno di belle canzoni eseguite con piglio da cantautore consumato, come se non fossero passati 41 anni dall’album precedente. Il buon successo di critica ha poi convinto Fay a proseguire, e così nel 2015 ecco Who Is The Sender?, altro valido lavoro anche se un gradino sotto a Life Is People, mentre è uscito da poche settimane Countless Branches, il terzo disco del nostro dalla sua “rinascita” artistica, che si pone invece allo stesso livello del comeback album del 2012. In Countless Branches Bill è andato a ripescare brani scritti durante gli anni ma mai incisi professionalmente, rivelandoci che i suoi cassetti erano ancora pieni di gemme che avevano solo bisogno di venire alla luce: sì, perché ci troviamo di fronte ad un lavoro di grande spessore, con canzoni intense ed emozionanti eseguite perlopiù in strumentazioni ridotte all’osso, in pratica solo la voce del nostro (delicata, quasi fragile), il suo pianoforte e poco altro: una chitarra acustica qua, un violoncello là, qualche nota di organo e solo in un caso un arrangiamento full band. Il tutto sotto la produzione sapiente, come nei due album precedenti, di Joshua Henry, e con la presenza di pochi ma validi musicisti che rispondono ai nomi di Matt Deighton e Matthew Simms (entrambi alle chitarre), Alex Eichenberger (cello), Matt Armstrong (basso) e Mikey Rowe (tastiere).
Però in questo album Bill ha voluto fare una sorpresa ai suoi estimatori, aggiungendo alla fine dei dieci brani che compongono la tracklist ben sette bonus tracks, quasi un altro disco che però è suonato con alle spalle una band elettrica (e senza riportare i dettagli sulla confezione, ma solo su un foglietto aggiuntivo all’interno). L’inizio è riservato alla lenta In Human Hands, che vede Bill in totale solitudine, un brano lento registrato in presa diretta, meditato ed eseguito con classe e misura; How Long, How Long vede l’aggiunta del cello, una chitarra acustica pizzicata con delicatezza ed un organo appena accennato, e la canzone è pura e cristallina, con una melodia tenue che ricorda alla lontana il Cat Stevens dei tempi d’oro: splendida https://www.youtube.com/watch?v=Qt3jfsAA-3w . Your Little Face è l’unico pezzo più strumentato della parte “normale” del CD, ci sono chitarra elettrica e batteria ma il mood non cambia, anzi forse l’atmosfera è ancora più struggente e drammatica, grazie anche alla voce frangibile del nostro; Salt Of The Earth (non è quella degli Stones, i brani sono tutti originali) è ancora un bozzetto per voce e piano, con le tastiere aggiunte a fornire uno sfondo sonoro discreto e la voce del leader che ha un tono quasi supplicante, mentre I Will Remain Here è il secondo pezzo che vede in scena solo Bill, che canta un motivo toccante quasi sillabando le parole.
Due chitarre ed un basso affiancano il piano del nostro in Filled With Wonder Once Again, delicata e dallo squisito sapore folk, Time’s Going Somewhere è decisamente emozionante grazie alla melodia ricca di pathos ed a un malinconico violoncello, nell’intensa Love Will Remain spunta anche una tromba e la voce di Bill si propone in maniera più commovente che mai. L’album vero e proprio si chiude con la spoglia title track (solo piano, voce e cello) e con la notevole One Life, dotata di un motivo struggente e bellissimo, da cantautore vero. Le bonus tracks “elettriche” partono con l’inedita Tiny, cantata sempre con voce tenue ma con un suono pieno e forte che aumenta il pathos; Don’t Let My Marigolds Die è una riproposizione live in studio di un brano che era su Time Of The Last Persecution, una canzone intensa seppur breve, mentre The Rooster è un raffinato e soffuso pezzo dal sound classico, con chitarra elettrica ed organo a fornire un alveo sonoro perfetto. Il CD termina definitivamente con la versione acustica, piano e basso, di Your Little Face (l’unica elettrica nella prima parte del disco) e con tre scintillanti riletture full band di Filled With Wonder Once Again, How Long, How Long e Love Will Remain, tutte splendide e molto diverse dalle loro controparti “intime”.
Altro ottimo lavoro dunque per il redivivo Bill Fay, forse il più bello insieme al suo “secondo esordio” Life Is People del 2012, ed un ringraziamento a Jeff Tweedy per aver, anche se involontariamente, riacceso l’interesse nei suoi confronti.
Rock & Roll Hall The Fame In Concert – Time Life 4 DVD o 2 Blu-ray Zona 1
All’incirca una decina di anni, tra il 2009 e il 2010, in occasione del 25° Anniversario della nascita della Rock And Roll Hall Of Fame, c’è stato un soprassalto di attività con la pubblicazione di un paio di cofanetti in DVD: uno quadruplo con il concerto tenuto al Madison Square Garden nell’ottobre 2009 appunto per il venticinquennale, quasi 6 ora di musica con concerto e discorsi completi, mentre nel 2010 è uscito un box da 9 DVD con il meglio dei 24 anni precedenti, circa 11 ore di filmati live, più 9 ore di materiale bonus extra. Poi è calato il silenzio: intendiamoci, la manifestazione si è comunque tenuta regolarmente ogni anno, o a Cleveland, dove c’è la sede della fondazione e il museo o al Barclays Center di Brooklyn, NY, solo che poi non è stato più pubblicato nulla. Ed ecco che ora appare questo Rock & Roll Hall The Fame In Concert, un cofanetto di 4 DVD o 2 Blu-ray, che contiene le quattro annate che vanno dal 2014 al 2017 (dal 2010 al 2013 nulla è dato sapere), più di undici ore di contenuti tra discorsi vari e 53 esibizioni dal vivo. In teoria è solo per il mercato americano ma visto che è molto bello, qualità audio/video strepitosa e alcune esibizioni memorabili, vediamo cosa contiene.
DVD 1 2014, siamo al Barclays Center di New York e il programma si apre con una potente Digging In The Dirt di Peter Gabriel (formazione della madonna con David Rhodes, Manu Katchè, Tony Levin e David Sancious) che viene indotto nella Hall Of Fame da Chris Martin dei Coldplay, che sale sul palco con Gabriel per una versione doppio pianoforte della bellissima Washing Ot The Water, tratta da Us, ma poi arriva tutta la band nel finale, mentre per una lunghissima In Your Eyes Peter invita sul palco Youssou N’Dour per duettare con lui, come nella versione originale che era su So. Secondo artista della serata Yusuf, che nel frattempo è tornato Cat Stevens: lo presenta Art Garfunkel, che poi lascia spazia all’artista inglese, accompagnato da Paul Shaffer e dalla Hall Of Fame Orchestra, che esegue alla grande un trittico spettacolare, Father And Son, Wild World e Peace Train, alla chitarra c’è uno che ha tutta l’aria di essere Waddy Wachtel. Linda Ronstadt è la terza artista ad essere “indotta”, ma non è presente a causa del Morbo di Parkinson che non lo permette di esibirsi dal 2011: la presentazione è del suo amico Glenn Frey, poi ascoltiamo Different Drum cantata (bene) da Carrie Underwood, una splendida Blue Bayou, con Emmylou Harris, Bonnie Raitt e ancora Carrie Underwood, le tre rimangono e vengono raggiunte da Sheryl Crow e Glenn Frey per una ottima You’re No Good, e ancora da Stevie Nicks che è la voce solista per It’s So Easy e tutti insieme per una commovente e celebrativa When Will I Be Loved. Sarebbe difficile fare meglio se a seguire non fosse il turno della E Street Band, che come “presentatore” ha Bruce Springsteen, “solo” una ventina di minuti di discorso suo e un’altra ventina degli altri della band, che poi scatena le danze per una portentosa The E Street Shuffle con Vini Lopez tornato alla batteria, solo nove minuti ma molto intensi. A seguire arriva Michael Stipe per presentare i Nirvana e Courtney Love viene fischiata dal pubblico: Dave Grohl e Krist Novoselic eseguono Smells Like Teen Spirit, Aneurysm, Lithium e All Apologies aiutati da Joan Jett, Pat Smear, Kim Gordon, Annie Clark e Lorde. E nel 2014, non presenti nel film, c’erano pure i Kiss e Hall & Oates. Comunque questo è il miglior DVD del lotto.
DVD 2 2015, siamo alla Public Hall di Cleveland. Annata meno eccitante, con nell’ordine Joan Jett, ospiti Dave Grohl, Miley Cyrus e Tommy James, per una piacevole Crimson And Clover. Della Butterfield Blues Band non c’è quasi nessuno, li presenta Peter Wolf, ma la versione di Born In Chicago con Zac Brown alla voce, Tom Morello alla chitarra e Jason Ricci all’armonica non è per nulla male. E lo è anche la sezione in cui Stevie Wonder presenta una rarissima apparizione pubblica di Bill Withers, “ritirato” dal 1985: i due eseguono insieme Ain’t No Sunshine e poi sul palco per Lean On Me arriva John Legend, che non amo in modo particolare, ma a questi eventi fa sempre la sua porca figura. Green Day presentati da Fall Out Boy fanno tre brani. Mentre Steve Ray Vaughan And Double Trouble indotti da John Mayer hanno diritto solo a un brano, ma la versione di Texas Flood, con il fratello Jimmie Vaughan, Gary Clark Jr., Doyle Bramhall e lo stesso Mayer è una vera perla. Pure di Lou Reed, presentato da Patti Smith e il cui premio viene accettato da Laurie Anderson, viene presentata solo una canzone, una bella versione di Satellite Of Love, cantata da Beck. Poi, presentato da Sir Paul McCartney arriva sul palco l’ineffabile Ringo Starr, più rauco vocalmente del solito, ma con un piccolo aiuto dei suoi amici ce la fa: in Boys i Green Days se la cavano, son tre accordi, in It Don’t Come Easy c’è il cognato Joe Walsh alla chitarra, e nella conclusiva I Wanna Be Your Man sono in 700 sul palco, in pratica quasi tutti gli ospiti della serata , per una versione corale, gagliarda e chitarristica.
DVD 3 2016, di nuovo a New York City. Aprono I Deep Purple, senza Blackmore ma con la premiazione contemporanea di Ian Gillan, David Coverdale e Glenn Hughes, tre cantanti presenti per l’occasione, ma canta solo Gillan, Steve Morse alla chitarra, presentazione di Lars Ulrich dei Metallica, e per gradire Highway Star e Smoke On The Water, due classici dell’hard-rock, quello buono. Di Bert Berns, un grande personaggio degli anni ’60, solo un Lifetime Achievement presentato da Steve Van Zandt che legge una lista di canzoni veramente impressionante, ma niente musica e neppure, per fortuna, per i rappers N.W.A.. I Chicago sono presentati da Rob Thomas dei Matchbox Twenty, e poi eseguono tre dei loro classici in modo elegante, anche se manca in parte la verve rock-jazz degli inizi, Saturday In the Park e Does Anybody Really Know What Time Is It? sono delle belle canzoni e l’impianto vocale e strumentale è sempre buono, ma il gruppo si riabilita con una brillante e rockeggiante 25 Or 6 To 4, uno dei riff più famosi del rock di sempre. Non malvagi neppure i Cheap Trick presentati da Kid Rock (?!?), dal vivo sono sempre potenti e il loro rock and roll non manca di divertire, come ai tempi di At Budokan. Gran finale con tutti insieme appassionatamente ad intonare Ain’t That A Shame insieme ai Cheap Trick. Ma Steve Miller che fine ha fatto?
DVD 4 2017. Altra buona annata: si parte con gli ELO, Electric Light Orchestra, la loro versione con archi aggiunti di Roll Over Beethoven è anche un sentito omaggio a Chuck Berry, grazie ad un Jeff Lynne ispirato che poi rispolvera altri due classici come Evil Woman e la beatlesiana Mr. Blue Sky. Il discorso finale è di Dhani Harrison e ad accettare il premio c’è anche Roy Wood. Jackson Browne induce nella RRHOF Joan Baez, che esegue da sola Swing Low Sweet Chariot e poi chiama sul palco Mary Chapin Carpenter e le invecchiate (mi sembra più della Baez) Indigo Girls per le deliziose e delicate Deportee (Plane Wreck At Los Gatos) e The Night They Drove Old Night Dixie Down. Gli Yes, in formazione originale (quasi, manca Chris Squire) ricevono il premio da Geddy Lee (che rimane sul palco con il gruppo) e Alex Lifeson dei Rush: Roundabout è una ottima scelta (e Rick Wakeman è in gran forma, come pure Steve Howe),mentre Owner Of A Lonely Heart, per quanto piacevole, meno riuscita. Snoop Dogg induce Tupac Shakur, senza musica, anche perché non c’è, questa è cattiva lo so. I Journey sono stati una delle band migliori anni ’70-’80, nati da una costola dei Santana, poi con l’innesto di Steve Perry sono diventati più rock FM, ma l’attuale cantante filippino non si può vedere e sentire, anche se gli altri suonano. Per fortuna che nel finale di questo quarto DVD, il più lungo del lotto, arriva David Letterman, più barbuto che mai, ad introdurre i Pearl Jam, che poi ci regalano un trittico dei loro classici, Alive, Given To Fly e una splendida Better Man, cantata da tutto il pubblico.
Il gran finale del 2017 con Rockin’ In The Free World qui sotto, non c’è nel DVD, peccato.
Luci ed ombre, ma nel complesso molti di più i momenti da tesaurizzare. Le “inductions” si possono guardare a parte nel menu, ma le parti solo musicali no. Mistero.
