Prima Delle “Disavventure” Andava Ancora Come Un Treno! The Dickey Betts Band – Ramblin’ Man: Live At The St. George Theatre

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Dickey Betts Band – Ramblin’ Man: Live At The St. George Theatre – BMG CD/BluRay – 2LP

Lo scorso anno Dickey Betts, cioè l’ultimo baluardo di quel gruppo leggendario che è stata la Allman Brothers Band, ha seriamente rischiato di andare a far compagnia a Gregg Allman: prima, in Agosto, un leggero ictus che non gli ha fortunatamente causato grossi problemi, e poco dopo un brutto incidente domestico (pare avvenuto mentre giocava con il suo cane) che gli ha provocato una frattura del cranio con conseguente versamento sanguigno cerebrale. Sottoposto ad un delicato intervento chirurgico, Betts si è ripreso benissimo, ma ha dovuto cancellare le date del tour previste per Novembre e a tutt’oggi non sappiamo se sarà in grado di esibirsi ancora (anche l’età, a Dicembre 2019 saranno 76 anni, non lo aiuta). Per fortuna Dickey aveva fatto in tempo a registrare la serata del 21 Luglio al St. George Theatre di Staten Island a New York, concerto facente parte del suo ultimo tour con la Dickey Betts Band, e così oggi possiamo godere di questa fantastica performance. Ramblin’ Man: Live At The St. George Theatre è quindi il resoconto di quella splendida serata, un CD con accluso BluRay (non c’è la versione in DVD, ma per gli amanti del vinile esiste anche in doppio LP) che ci mostra appunto un Betts in forma ancora smagliante dal punto di vista chitarristico e buona dal lato vocale.

Accompagnato da un gruppo formidabile di sei elementi che vede al suo interno altre due chitarre soliste (in piena tradizione sudista), una del figlio Duane Betts e l’altra di Damon Fowler (musicista che in carriera ha collaborato con gente del calibro di Buddy Guy, i fratelli Johnny ed Edgar Winter, Jeff Beck, Jimmie Vaughan e lo stesso Gregg Allman, oltre ad avere all’attivo una pregevole discografia da solista https://discoclub.myblog.it/2018/11/13/uno-dei-dischi-rock-blues-piu-belli-dellanno-damon-fowler-the-whiskey-bayou-session/ ), la sezione ritmica formata dal bassista Pedro Arevalo e dai due batteristi Frankie Lombardi e Steve Camilleri, per finire con il bravissimo pianista/organista Mike Kach, uno dei protagonisti del suono della band. Un concerto potente, vitale e pulsante, nettamente sbilanciato verso il repertorio della ABB (peccato manchi Seven Turns, una delle mie preferite): se questo sarà il canto del cigno del Dickey Betts performer (che qui sfoggia un’inedita barba bianca) potremo dire che ha deposto le armi in grande stile. Il CD dura 71 minuti e contiene sette canzoni, mentre il BluRay ne dura 94 e presenta tre brani in più, cioè gli unici due pezzi appartenenti al periodo solista di Betts (My Getaway e Nothing You Can Do) e la classica Statesboro Blues che pur essendo di Blind Willie McTell è da sempre legata a doppio filo alla ABB: non avendo avuto ancora modo e tempo di vedere la parte video, la recensione è fatta in base all’ascolto del CD, che comunque basta e avanza (e che avrebbe potuto essere allungato di uno dei tre pezzi in più del BluRay, lo spazio c’era).

Le sonorità calde di Hot’Lanta riempiono subito l’ambiente, con le sue atmosfere tra rock e jazz ed il tipico timbro pulito e melodico della chitarra del leader ma anche con il notevole organo di Kach: Dickey piazza subito un assolo di quelli che ti stendono, così tanto per cominciare, ben doppiato dal figlio Duane. Blue Sky è sempre stata splendida, una delle più belle canzoni degli Allman, e Betts dimostra di non aver perso il tocco magico, intrattenendo per dieci minuti di grande musica: introduzione inedita con echi quasi dei Grateful Dead, poi al secondo minuto arriva il celebre riff ed il brano prende il volo (nonostante il nostro palesi una voce non più limpida come un tempo), con un’altra eccellente prova di Kach questa volta al piano. E’ poi la volta dell’omaggio al compagno di mille avventure Gregg Allman, con una fluida versione di Midnight Rider affidata alla voce (e chitarra) del figlio di Gregg, Devon Allman (da lì a poco partner di Duane nella Allman Betts Band https://discoclub.myblog.it/2019/07/16/questi-cognomi-mi-dicono-qualcosa-the-allman-betts-band-down-to-the-river/ ), ospite speciale solo in questo pezzo: grande canzone e rilettura solida e perfettamente riuscita.

I seguenti 21 minuti sono occupati da una fulgida resa della formidabile In Memory Of Elizabeth Reed, una delle signature songs di Betts: atmosfera sudista al 100%, sonorità calde e coinvolgenti e solite magistrali prestazioni chitarristiche del trio di axemen, oltre ad un altro grandissimo assolo di piano, qui influenzato dalla musica jazz (e non mancano i momenti in cui anche le batterie ed il basso si esprimono in perfetta solitudine); il momento magico della serata prosegue con una roboante Whipping Post, altri dieci minuti abbondanti di vero southern rock di classe, inimitabile in quanto eseguito da uno degli inventori del genere. Chiusura con una tonica Ramblin’ Man, splendida canzone in puro stile country-rock in cui Dickey cerca di fare del suo meglio dal punto di vista vocale (da quello chitarristico ci riesce ancora senza problemi), e con una strepitosa Jessica, introdotta dal famoso riff e caratterizzata da un muro del suono rock di altissimo livello, in cui ogni strumento fa la sua parte alla grande (ancora con lo spettacolare piano di Kach sugli scudi). Degno finale per una serata da ricordare a lungo, soprattutto nel caso non dovessimo più riuscire a vedere Dickey Betts salire su un palco.

Marco Verdi

Ferragosto Con Paul. Good Rockin’ Tonight: Le Ristampe Live Di McCartney.

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Paul McCartney & Wings – Wings Over America – Capitol 2CD – 3LP

Paul McCartney – CHOBA B CCCP – Capitol CD – LP

Paul McCartney – Paul Is Live – Capitol CD – 2LP

Paul McCartney – Amoeba Gig – Capitol CD – 2LP

Lo scorso 12 Luglio la Capitol ha ristampato quattro live albums della discografia di Paul McCartney, in CD digipak ed in vinile, sia nero che colorato per i collezionisti più avidi. La scelta è stata fatta optando per un album da ogni decade (esclusa la presente, anche perché negli anni dal 2010 ad oggi il buon Paul dal vivo non ha pubblicato alcunché), ed è quindi corretto presumere che i dischi in questione non beneficeranno in futuro delle edizioni super deluxe dedicate al catalogo dell’ex Beatle. In realtà la prima di queste ristampe, Wings Over America, era già uscita in formato cofanetto, e quindi questa nuova riedizione senza bonus tracks è di scarsissimo interesse e quindi riterrei opportuno bypassarla prendendo in esame le altre tre (probabilmente l’hanno scelta in quanto unico live ufficiale di Macca negli anni settanta, e non hanno voluto fare i “bastardi” mettendo fuori il Wings Over Europe disponibile solo nel mega-box dello scorso Dicembre con Wild Life e Red Rose Speedway).

CHOBA B CCCP è il famoso “album russo” che Paul pubblicò nel 1988 solo per il mercato sovietico, in piena Perestrojka: un lavoro composto unicamente da classici del rock’n’roll che Paul incise nell’87 con l’ausilio di una band essenziale, chitarra-piano-basso-batteria (con gente come Henry Spinetti, Chris Whitten, Nick Garvey dei Motors e Mike Gallagher dei Blockheads di Ian Dury): la ragione per cui lo troviamo inserito in un gruppo di album dal vivo è dovuto al fatto che gli undici brani presenti sono stati registrati in presa diretta e senza sovraincisioni, buona la prima e via. (NDM: questo album a grande richiesta fu poi pubblicato anche nel resto del mondo nel 1991 e con tre brani in più, ma questa è la versione originale con tanto di note di copertina in cirillico). Ed il disco è un piacere anche a distanza di anni, con un Paul in forma vocale strepitosa accompagnato da una band solida e senza fronzoli, un album che si ascolta tutto d’un fiato e che vede il nostro sciorinare eccellenti performance di classici del rock’n’roll come Kansas City (già incisa dai Beatles) ed una scatenata Lucille entrambe dal repertorio di Little Richard, un doppio Elvis (That’s Alright Mama e Just Because), due ottime rese di evergreen rispettivamente di Eddie Cochran e Lloyd Price (Twenty Flight Rock e Lawdy, Miss Clawdy), una vibrante Crackin’ Up di Bo Diddley e perfino Duke Ellington (Don’t Get Around Much Anymore). A mio parere però gli highlights sono una rilettura di gran classe di Bring It On Home To Me di Sam Cooke, una formidabile Ain’t That A Shame di Fats Domino ed una versione del traditional Midnight Special godibilissima e leggermente country. Spontaneo e diretto, uno dei dischi più piacevoli di Macca.

Paul Is Live, il prescelto per gli anni novanta, è invece un album del 1993 registrato in varie locations in giro per il mondo durante il tour di Off The Ground, scelta che mi fa pensare che il bellissimo Tripping The Live Fantastic del 1990 ed il delizioso Unplugged del 1991 potranno beneficiare in futuro del trattamento deluxe. Paul Is Live (il titolo e la divertente copertina erano una parodia sia della celebre immagine di Abbey Road che della leggenda metropolitana del “Paul è morto”) vedeva il nostro accompagnato dalla stessa band del tour precedente, in seguito del celebrato Flowers In The Dirt, con Robbie McIntosh e Hamish Stuart (ex Average White Band) alle chitarre, Paul Wickens e la moglie di Paul, Linda McCartney, alle tastiere e Blair Cunningham alla batteria. Paul Is Live è un buon disco, che però ha il difetto di venire solo tre anni dopo il trionfale Tripping The Live Fantastic, che era pieno zeppo di classici dei Beatles e di Paul solista, oltre che dei brani migliori di Flowers In The Dirt che era un album decisamente migliore rispetto a Off The Ground: qui la scelta è stata di non ripetere le canzoni presenti su Tripping (a parte Live And Let Die), con la conseguenza di avere una maggioranza di brani “minori”. Anche se per definire minori pezzi del calibro di Drive My Car, Let Me Roll It, All My Loving, We Can Work It Out, Michelle, Here, There And Everywhere, Lady Madonna, Paperback Writer e Penny Lane ci vuole una certa dose di coraggio. Da Off The Ground sono ripresi cinque brani ma mancano i due migliori (la title track ed il rock’n’roll Get Out Of My Way), anche se Hope Of Deliverance è una piacevole pop song tipica del nostro; c’è una buona versione della classica My Love, due vitali rock’n’roll come Good Rockin’ Tonight (acustica ma coinvolgente) e Kansas City ed un paio di improvvisazioni registrate durante il soundcheck (Hotel In Benidorm, A Fine Day). Ripeto, un buon live che ha l’unico “difetto” di venire dopo lo splendido Tripping The Live Fantastic ed un gioiellino come Unplugged.

E veniamo al pezzo forte di questo gruppo di ristampe, cioè Amoeba Gig, che documenta uno show del 2007 molto particolare, registrato all’interno dell’immenso negozio di dischi Amoeba di Hollywood (io sono stato in quello di San Francisco, in zona Haight-Asbury, ed è un vero paradiso per gli appassionati) con la band dell’epoca (Rusty Anderson, Brian Ray, David Arch ed Abe Laboriel Jr., forse il gruppo migliore che Paul abbia mai avuto, Wings compresi, e quello con il suono più rock) per promuovere il nuovo album Memory Almost Full. All’epoca era uscito un EP di appena quattro brani intitolato Amoeba’s Secret, mentre nel 2010 il settimanale britannico Mail On Sunday aveva allegato ad una delle sue uscite una limitatissima versione con 12 pezzi chiamata Live In Los Angeles. Ora finalmente con Amoeba Gig possiamo godere dell’esibizione completa di 21 brani (nella versione in vinile c’è anche una Coming Up proveniente dal soundcheck), un live album in pratica nuovo che presenta un Paul in forma smagliante e più disinvolto che mai, autore di una prova decisamente energica e con una scaletta decisamente sbilanciata verso pezzi dall’approccio rock. Memory Almost Full è solo un pretesto, in quanto Macca ne suona solo cinque pezzi (tra cui i due più riusciti, la bella e potente Only Mama Knows e la piacevole e coinvolgente pop song Dance Tonight); il passato solista di Paul è riassunto nella deliziosa C Moon, la tenue Calico Skies ed il toccante omaggio a John Lennon di Here Today (c’è anche una breve ripresa di Baby Face, cover di un brano popolare degli anni venti che il nostro aveva già eseguito nei seventies durante uno special televisivo). Il resto è tutto Beatles, con un paio di pezzi acustici (I’ll Follow The Sun dal ritmo accelerato e quasi country e Blackbird), tre ballate (un’intensa The Long And Winding Road e le straordinarie Hey Jude e Let It Be), ma soprattutto tantissimo rock’n’roll, con titoli come Drive My Car, Back In The USSR, I’ve Got A Feeling (strepitosa), Matchbox (di Carl Perkins, nei Fab Four la cantava Ringo), Get Back ed un finale travolgente con Lady Madonna e I Saw Her Standing There.

Quindi due ristampe interessanti visto il suono rimasterizzato (CHOBA B CCCP e Paul Is Live), una inutile (Wings Over America) ed Amoeba Gig, imperdibile sia per il fatto di essere praticamente un live nuovo di zecca che per la qualità della performance.

Marco Verdi

Quando Il Talento Soccombe Alla Tecnologia! A.A. Bondy – Enderness

a.a. bondy enderness

A.A. Bondy – Enderness – Fat Possum CD

A.A. Bondy (le iniziali stanno per Auguste Arthur), pur essendo nativo di Birmingham, Alabama, non fa southern rock, non ci si avvicina neppure. Leader dagli anni novanta fino al 2003 del gruppo rock Verbena, Bondy ha esordito come solista con American Hearts nel 2007, album al quale ne ha fatti seguire altri due ad intervalli di due anni ciascuno, per poi “concerdersi” ben otto anni di pausa fino a questo nuovissimo Enderness, uscito da poco. Ebbene, dopo quasi una decade di silenzio forse sarebbe stato lecito aspettarsi qualcosa in più di 36 miseri minuti, con l’aggravante di una qualità complessiva abbastanza altalenante: la carriera solista di Bondy è sempre stata all’insegna di una sorta di folk music piuttosto minimalista, con canzoni ottenute per sottrazione, ma comunque facendo uso di una strumentazione classica. Per Enderness invece (minimale fin dalla confezione, con note ridotte all’osso) il nostro ha optato per sonorità decisamente moderne, tutte all’insegna di drum machines, loop e sintetizzatori, limitando al minimo l’utilizzo di strumenti tradizionali (principalmente la chitarra, usata solo in un paio di occasioni).

Ma la tecnologia di per sé non è un male, dipende dall’utilizzo che se ne fa, ed in questo album Bondy alterna momenti in cui i suoni vengono messi al servizio delle canzoni ad altri in cui sembra che non si sappia bene dove voglia andare a parare. Enderness non è un disco rock, forse è pop, ma il problema è la discontinuità: si passa infatti da brani ben scritti e suonati con gusto, ad altri in cui la modernità prende il sopravvento; Bondy poi non è uno che ha nelle sue corde la capacità di entusiasmare e trascinare, è sempre piuttosto freddino, e questa sua attitudine se sommata alle sonorità non proprio “calde” presenti nel disco (e ad una voce melliflua e quasi sonnolenta) fa sì che il risultato finale lasci un po’ perplessi. Diamond Skull fa comunque partire bene l’album, una canzone di stampo classico con suoni moderni, ma c’è una chitarra elettrica in evidenza e la melodia è di notevole impatto, con un bel crescendo che porta ad un ritornello suggestivo. Degna di nota anche Killers 3, che ha uno sviluppo decisamente fruibile e dallo squisito gusto pop: l’accompagnamento è moderno al 100%, ma quando ci sono le idee la veste sonora conta fino ad un certo punto (se no I’m Your Man di Leonard Cohen non sarebbe un grande disco).

In The Wonder è ancora pura elettronica, ed anche il nostro canta con voce spezzata e quasi robotica, ed il brano è un paio di gradini sotto i due precedenti; The Tree With The Lights è un breve strumentale in cui Bondy gioca con loop e diavolerie varie, con esito straniante, ma in compenso Images Of Love (il primo singolo) è molto più canzone, ed anche se la voce è l’unica cosa naturale in mezzo a tecnologia pura, l’insieme è piacevole e perfino rilassante. I’ll Never Know è cadenzata ma dal passo lento, quasi indolente ed un tantino fredda, Fentanyl Freddy non aumenta di molto il ritmo ed è anch’essa piuttosto gelida, direi inquietante, mentre Pan Tran è uno strumentale per synth solista, abbastanza autoreferenziale. Il CD si chiude con #Lost Hills, decisamente monocorde nonostante rispunti la chitarra, e con la title track, quasi cinque minuti di musica ambient strumentale e pretenziosa, un pezzo che non va da nessuna parte ed è buono al massimo come sottofondo di un massaggio orientale https://www.youtube.com/watch?v=J8NURo2WdJY .

Peccato, il talento ci sarebbe anche (canzoni come Diamond Skull, Killers 3 e Images Of Love lo testimoniano), ma tutto viene sacrificato sull’altare della tecnologia e delle stranezze.

Marco Verdi

Dopo I Gemelli Del Gol, Le Gemelle Del Folk-Rock! Shook Twins – Some Good Lives

shook twins some good lives

Shook Twins – Some Good Lives – Dutch CD

Non conoscevo le Shook Twins, due gemelle identiche (Katelyn e Laurie Shook) originarie dell’Idaho ma da anni stabilitesi a Portland, Oregon. In realtà le Shook Twins non sono un semplice duo, anche se sono loro ad occuparsi di tutte le parti vocali ed in parte anche di quelle strumentali, ma una vera e propria band, completata da Niko Daussis (chitarre), Sydney Nash (basso) e Barra Brown (batteria), e la loro musica si potrebbe considerare una fusione moderna di folk e rock, con elementi pop qua e là. Le loro sonorità di base sono perlopiù acustiche, ma spesso la chitarra elettrica avanza in prima fila e c’è anche un uso moderato della tecnologia, che dona freschezza al suono complessivo. Some Good Lives è il titolo del nuovo album delle gemelle Shook, il quinto complessivo (sono attive dal 2008), ed è una gradevole e riuscita miscela di canzoni ben scritte e ben cantate, che come dicevo prima partono dal folk per toccare vari stili pur mantenendo una buona fruibilità di fondo. Gli arrangiamenti sono moderni ma mai esasperati, ed il disco si ascolta dall’inizio alla fine senza problemi.

Il CD è autoprodotto, e parte con What Have We Done, che è il classico inizio che non ci si aspetta: si tratta infatti di un funk-rock diretto e decisamente godibile, dal ritmo cadenzato e con l’aggiunta di una piccola sezione fiati e buoni spunti chitarristici, cantato all’unisono dalle due gemelle. Safe è un pezzo dallo sviluppo insinuante, una melodia limpida ed un crescendo lento ma costante, con la chitarra a ricamare discreta sullo sfondo fino all’ingresso della sezione ritmica dopo due minuti buoni; niente male anche Figure It Out, un lento dal pathos notevole sempre con la chitarra in evidenza ed una struttura melodica di tutto rispetto. Stay Wild inizia con una chitarrina arpeggiata, poi entra una ritmica pulsante che porta il brano su lidi a metà tra pop e folk, con un uso parsimonioso della tecnologia, al contrario della delicata Vessels che è un gentile bozzetto acustico di sapore folk, mentre What Is Blue ha il respiro e l’intensità dei brani di David Crosby.

In Got Your Message spunta un banjo, e la canzone sembra quasi procedere un po’ sghemba, ma poi ci si rende conto che è tutto in voluto contrasto con la melodia pura e limpida, mentre una bella chitarra introduce Want Love, piacevole canzone dal retrogusto pop cantata in scioltezza. No Choice è dotata di un motivo corale molto interessante ed un accompagnamento più rock, un brano intrigante che è tra i migliori del CD, mentre Talkie Walkie è una folk-rock ballad fluida e tersa; il dischetto termina con la cadenzata Buoy e con una stranezza, cioè una registrazione datata 1989 di un brano intitolato Dog Beach e cantato da tale Ted Bowers, un amico di famiglia degli Shook, con le due sorelle allora bambine ai cori (performance dedicata al loro nonno, scomparso di lì a poco e presente all’epoca dell’incisione).

Un album piacevole, ben costruito e, perché no, creativo.

Marco Verdi

La Cleopatra Ha Colpito Ancora, Ma Stavolta Non E’ Colpa Loro! Black Oak Arkansas – Underdog Heroes

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Black Oak Arkansas – Underdog Heroes – Purple Pyramid/Cleopatra CD

Già durante la decade di maggior successo dei gruppi appartenenti al genere southern rock, cioè gli anni settanta, i Black Oak Arkansas (che prendono il nome dal luogo dal quale provengono) erano una band di secondo piano, forse anche terzo (* Con l’eccezione probabilmente di questo album https://discoclub.myblog.it/2015/08/10/succedeva-piu-40-anni-fa-piccolo-classico-del-rock-riscoperto-black-oak-arkansas-the-complete-raunchnroll-live/ ) . Pertanto non credo che qualcuno si strappasse i capelli per il fatto che il loro ultimo album con materiale originale, Rebound, risalisse ormai a 28 anni fa: c’è stato un CD uscito nel 2013, Black Thar N’Over Yonder, che oltre a contenere brani inediti dei seventies presentava anche cinque pezzi nuovi di zecca, ma non sembrava una reunion vera e propria. Invece ora due dei membri originali, il cantante Jim “Dandy” Mangrum ed il chitarrista Rickie Lee Reynolds, hanno pensato bene di riformare il gruppo con altri mestieranti (Billy Little, basso, Lonnie Hammer, batteria, Randall Rawlings, chitarra solista e Samantha Sauphine, cori e armonie vocali) e riproporre la vecchia sigla per questo Underdog Heroes, un disco che però di positivo ha molto poco.

Il gruppo è infatti ridotto ad essere la caricatura di sé stesso (e già all’epoca non è che fossero dei fuoriclasse), le canzoni sono di qualità scarsa quando non imbarazzante, con testi banali e pieni di luoghi comuni, mentre il suono ha ben poco di southern, essendo più che altro hard rock di grana grossa, adatto per un pubblico che non va tanto per il sottile. Personalmente non ho nulla contro il rock duro, che è un genere che mi piace anche, ma il problema sta nel fatto che questa è musica brutta, non importa se rock, country, folk, blues o tarantella; dulcis in fundo (si fa per dire), se Reynolds alla chitarra se la cava ancora, Dandy si ritrova un’ugola invecchiata malissimo, ed alterna momenti in cui ha una voce impastata da risveglio dopo notte di bagordi ad altri in cui sembra avere un uovo sodo in bocca. Il CD inizia con una delle due cover presenti, cioè Don’t Let It Show degli Alan Parsons Project (!), una canzone che spogliata delle sonorità elettroniche del produttore e musicista inglese diventa una fluida ballatona acustica, con un buon assolo elettrico centrale. Fin qui ci siamo, ma i problemi cominciano subito dopo con la title track, che ha un attacco duro e cupo, quasi alla Black Sabbath, ed anche il resto del brano mantiene toni un po’ tagliati con l’accetta, da hard rock un tanto al chilo (e la voce da ubriaco di Jim non aiuta), mentre Channeling Spirits ha un buon attacco strumentale d’atmosfera, ma poi purtroppo Dandy inizia a cantare e la canzone, già non il massimo di suo, si affloscia del tutto.

Ruby’s Heartbreaker (che non è dedicata alla “nipote di Mubarak”, stella del bunga bunga) è una rock song dal passo lento ed un tantino troppo declamatoria, sia nelle parti vocali che nell’arrangiamento tronfio, The Wrong Side Of Midnight vede Mangrum gigioneggiare con la voce, con il risultato di rendersi ridicolo (e la canzone è oscena), The Devil’s Daughter è un rock-blues piuttosto qualunque e senza fantasia, ma almeno è cantato dalla Sauphine che se la cava meglio del suo capo e possiede una certa grinta. Arkansas Medicine Man è ancora rock duro e fine a sé stesso (la chitarra sembra nelle mani di Joe Satriani o Steve Vai, altro che southern) e Dandy riesce ad essere addirittura fastidioso; Do Unto Others è un filo meglio, ha un ritmo sostenuto ed è quella che somiglia di più ad un rock’n’roll sudista, anche se sempre per palati non troppo fini (l’assolo è da metallari puri). La cadenzata You Told Me You Loved Me (un pezzo di Tommy Bolin) non è malaccio, ed il fatto che i due brani migliori del disco siano entrambi cover deve far pensare; il CD (che è pure lungo, 66 minuti), si chiude con Love 4 Rent, una ballata sbilenca cantata in maniera assurda, la dura The 12 Bar Blues, che se fosse uno strumentale si potrebbe anche salvare, e Johnnie Won’t Be Good, rock’n’roll senza fantasia ed inutile come il resto del disco.

I Black Oak Arkansas hanno avuto la loro bella reunion, ma ora per quanto mi riguarda possono tornare nell’oblio per altri trent’anni.

Marco Verdi

Il Periodo Migliore Di Un Cantautore “Doc”! James Taylor – The Warner Bros. Albums 1970-1976

james taylor the warner bros years

James Taylor – The Warner Bros. Albums 1970-1976 – Rhino/Warner 6CD – 6LP

Gli anni settanta sono stati senza dubbio la decade di maggior sviluppo per il cantautorato americano (e canadese), ed uno dei massimi esponenti del genere è stato indiscutibilmente James Taylor, musicista depositario di uno stile personalissimo ed immediatamente riconoscibile. Il songwriter di Boston ha sempre costruito i suoi dischi con la massima cura ed attenzione, pubblicandoli solo quando riteneva di avere le canzoni giuste e scegliendo sempre i migliori sessionmen in circolazione; James ha sempre preferito le ballate, create perlopiù intorno alla sua voce, la sua chitarra ed al massimo un pianoforte ed una sezione ritmica, ed il suo stile tranquillo, pacato, gentile ed estremamente raffinato è sempre stato il suo marchio di fabbrica, al punto che quando esce un suo disco nuovo il pubblico sa esattamente cosa aspettarsi. Di album brutti Taylor non ne ha mai fatti, ma è all’inizio degli anni settanta che ha sparato le sue cartucce migliori con una serie di dischi, sei, usciti per la Warner e gratificati da un ottimo successo sia di pubblico che di critica (ma il nostro aveva già un album all’attivo, il discreto James Taylor, registrato durante il suo “periodo londinese” e pubblicato dalla Apple).

Oggi il lustro trascorso con la Warner è interamente riassunto in questo bel boxettino intitolato appunto The Warner Bros. Albums 1970-1976, sei CD (o LP) presentati in un cofanetto “clamshell” e stampati nella loro veste grafica originale, con la rimasterizzazione avvenuta sotto la supervisione del noto produttore Peter Asher, dietro la consolle in tutti i primi quattro album di Taylor (compreso quello targato Apple); non ci sono bonus tracks, anche se io avrei inserito almeno i tre inediti del Greatest Hits del 1976, cioè il rifacimento dei due brani più noti dell’esordio Apple (Something In The Way She Moves e Carolina On My Mind) e la versione live di Steamroller. Il cofanetto comunque è imperdibile se non possedete già tutti i dischi contenuti al suo interno, e soprattutto se siete amanti del cantautorato degli anni settanta. Come dicevo prima, James ha sempre amato circondarsi di musicisti di nobile lignaggio, e solo a leggere i nomi di chi ha suonato con lui su questi dischi c’è da farsi venire l’acquolina in bocca: Danny Kortchmar, Waddy Wachtel, Jim Keltner, Al Perkins, David Grisman, Richard Greene, Rick Marotta, Russell Kunkel, John Hartford, Leland Sklar, i fratelli Randy e Michael Brecker, David Sanborn, Craig Doerge, John McLaughlin, David Spinozza, Hugh McCracken, Willie Weeks, Andy Newmark e Herb Pedersen, oltre ai produttori Russ Titelman e Lenny Waronker (e naturalmente il già citato Asher). Presenze fisse sui suoi dischi erano anche Carole King, grande amica sua, al piano e voce, e l’allora moglie Carly Simon sempre alla voce; in più, una serie di ospiti speciali che vedremo a breve nelle disamine disco per disco.

Sweet Baby James (1970): già subito uno degli album migliori di sempre del nostro, un lavoro che contiene la famosa Fire And Rain, splendida ballata che ancora oggi è un highlight nelle esibizioni dal vivo; molto popolare anche la trascinante Steamroller, un blues elettrico con fiati decisamente piacevole e ben fatto. Poi abbiamo la bellissima country song che dà il titolo all’album, un piccolo capolavoro di equilibrio e finezza, la raffinata Sunny Skies, leggermente jazzata, la folkeggiante Country Road e l’elaborata Suite For 20 G, esempio di songwriting già maturo. Senza dimenticare tre delicati acquarelli acustici come Lo And Behold, Oh Baby Don’t You Loose Your Lip On Me ed una breve ripresa del classico Oh, Susannah. Come ospiti, Chris Darrow e Randy Meisner, quest’ultimo all’epoca ancora nei Poco.

Mud Slide Slim And The Blue Horizon (1971): l’album più famoso di Taylor, grazie soprattutto alla straordinaria You’ve Got A Friend, scritta da Carole King e portata da James al numero uno in classifica, una delle più belle ballate dei seventies (con Joni Mitchell alle armonie vocali). Con un brano così la strada è in discesa, ma il disco è bello anche per la vibrante Love Has Brought Me Around, la bella Riding On A Railroad, dallo stile countreggiante, la fluida Hey Mister, That’s Me Up On The Jukebox, le note You Can Close Your Eyes (eseguita in perfetta solitudine) e Machine Gun Kelly (scritta da Kortchmar e dedicata ad uno dei più noti ospiti di Alcatraz), e la ritmata e coinvolgente Let Me Ride.

One Man Dog (1972): un disco particolare, una sorta di suite con 18 brani fusi insieme, alcuni dei quali appena accennati ed altri solo strumentali: l’ascolto è comunque gradevole ed appagante, con James che nonostante la struttura atipica non cambia il suo stile. C’è una hit minore, l’elegante Don’t Let Me Be Lonely Tonight, ed alcuni deliziosi bozzetti come One Man Parade, pop song di notevole finezza e dalla ritmica di stampo sudamericano, la rilassata e distesa Nobody But You, tipica del nostro, la bella Back On The Street Again, in cui si incontrano pop e folk, ed una squisita rilettura del traditional One Morning In May con Linda Ronstadt alla seconda voce.

Walking Man (1974): dopo un anno di pausa James ritorna senza Asher ai comandi, sostituito dal chitarrista David Spinozza: Walking Man per la prima volta manca di un hit single, e di conseguenza si rivela il disco meno di successo della decade per Taylor, anche se a livello compositivo si mantiene su buoni livelli. Da segnalare in particolare la piacevole e gentile title track, la vibrante Rock’n’Roll Is Music Now (che come nella seguente Let It All Fall Down vede la partecipazione ai cori di Paul e Linda McCartney), la corale e decisamente orecchiabile Ain’t No Song, una sorprendente cover di The Promised Land di Chuck Berry nella quale James ci dà una sua personale versione del rock’n’roll (quindi sempre con estrema eleganza), e la conclusiva Fading Away, malinconica ma molto bella.

Gorilla (1975): Taylor torna ad assaporare il successo con uno dei suoi album più famosi e più riusciti, merito senz’altro della solare Mexico e della deliziosa cover di How Sweet It Is (To Be Loved By You) di Marvin Gaye, canzoni che si difenderanno benissimo nelle classifiche dei singoli. E’ anche il disco con la maggior parte di ospiti di prestigio: Crosby & Nash alle voci nella stessa Mexico ed in Lighthouse, un brano splendido e melodicamente squisito che vede anche Randy Newman all’organo, e Lowell George alla slide in Angry Blues, un guizzante funkettone. Altri momenti salienti di un album comunque senza sbavature sono Music, classe pura, la toccante Wandering, un brano in cui a James basta davvero poco per emozionare, l’ironica title track con accompagnamento tra jazz e Hawaii e l’incantevole Sarah Maria.

In The Pocket (1976): altro album privo di brani di particolare successo, ma solido e brillante, che inizia con la nota Shower The People, splendida ballata dal suono tipicamente californiano, e prosegue con la pregevole A Junkie’s Lament, in cui la voce di Taylor è affiancata da quella angelica di Art Garfunkel. Altri highlights sono la mossa e pianistica Money Machine, l’immediata Everybody Has The Blues, melodicamente ineccepibile, l’intensa Captain Jim’s Drunken Dream e Don’t Be Sad ‘Cause Your Sun Is Down, con Stevie Wonder all’armonica (e co-autore del pezzo). Troviamo di nuovo Crosby & Nash alle voci (Nothing Like A Hundred Miles) e, in Family Man, anche Bonnie Raitt.

Dopo questi album Taylor passerà alla Columbia e continuerà a pubblicare album di pregevole fattura fino ai giorni nostri (i miei preferiti tra tutti sono JT, That’s Why I’m Here, Hourglass, New Moon Shine, October Road e l’ultimo Before This World, uscito però per la Concord), il tutto senza perdere mai il suo stile raffinato e confidenziale, né la capacità di scrivere canzoni semplici ma mai scontate.

A differenza dei capelli, che rimarranno ben presto un ricordo.

Marco Verdi

Lo Springsteen Della Domenica: Due Giorni Prima Di Fare La Storia, Il Boss Era Già Bello Carico! Bruce Springsteen & The E Street Band – Nassau Coliseum, NY 12/29/80

bruce springsteen live nassau 29-12-1980

Bruce Springsteen & The E Street Band – Nassau Coliseum, NY 12/29/80 – live.brucespringsteen.net/nugs.net 3CD – Download

Se chiedete ai fans di Bruce Springsteen a quale tour della carriera del loro rocker preferito siano più legati, vi verranno date risposte differenti per una miriade di motivi diversi, anche legati a ricordi personali: il sottoscritto per esempio è particolarmente affezionato al Boss del biennio 1984-85, cioè a quello di Born In The USA e relativa tournée, dato che all’epoca ero un teenager e l’album in questione fu il primo disco rock che acquistai (anzi, la cara vecchia musicassetta), e rimpiango ancora oggi di non essere potuto andare al mitico concerto di San Siro del 1985. A distanza di anni il critico che è in me afferma che però lo Springsteen migliore di tutti i tempi per quanto riguarda le performance dal vivo è probabilmente quello del 1980-81, ovvero del tour di The River, in quanto il nostro aveva già alle spalle una discreta esperienza sul palco (ed un tour, quello del 1978, formidabile), ma nello stesso tempo, per dirla con Rocky Balboa, possedeva ancora gli occhi della tigre…e la E Street Band non era certo da meno! Nell’ambito della prima parte dei concerti, quella americana del 1980, la serata che si trova in ogni Top Ten delle performance più leggendarie di sempre del Boss è quella dell’ultimo dell’anno al Nassau Coliseum di New York (ultima di tre consecutive nella stessa arena), uno show che era già uscito nell’ambito della serie di “bootleg ufficiali” dal vivo di Bruce.

L’ultimo episodio di questa sequenza di CD e download si occupa invece dello spettacolo precedente, cioè quello del 29 Dicembre (il secondo dei tre), ripubblicando anche a parte quello del 31 in versione rimixata in quanto pare che l’uscita originale avesse attirato una lunga serie di lamentele per il suono non adeguato (a me non sembrava così malaccio). E, anche se la leggenda springsteeniana ricorda lo show del 31, anche quello del 29 è una vera bomba, una prestazione dei nostri di livello eccezionale, tre ore e mezza abbondanti di rock’n’roll all’ennesima potenza, con una scaletta che offriva una panoramica completa sulla carriera di Bruce fino a quel momento, e l’aggiunta di una serie di cover di prestigio per “arrotondare” il tutto a ben 35 canzoni (un paio delle quali, Darkness On The Edge Of Town e You Can Look (But You Better Not Touch), erano già uscite sul famoso cofanetto Live 1975-85). Ci sono gli esordi del nostro, con una pimpante For You, una 4th Of July, Asbury Park (Sandy) particolarmente toccante, l’immancabile Rosalita e la rara Incident On The 57th Street, in una versione da paura che da sola vale buona parte del concerto. Da Born To Run vengono suonati cinque pezzi su otto, ed oltre le tre che non mancano quasi mai (la title track, Tenth Avenue Freeze-Out, ed una Thunder Road da favola), abbiamo Night che apre la serata in maniera decisamente potente, e la solita grandissima Jungleland che è posta quasi in chiusura, con Roy Bittan monumentale come di consueto. Darkness On The Edge Of Town ne conta sei su dieci, e se Badlands, The Promised Land e la title track sono d’obbligo, abbiamo una della più belle Prove It All Night di sempre con assolo chitarristico torcibudella da parte del Boss e la sempre splendida Factory.

The River è rappresentato da ben tredici brani, ben bilanciati tra rock’n’roll (le travolgenti Out In The Street, Sherry Darling, The Ties That Bind, You Can Look (But You Better Not Touch) e le irresistibili Cadillac Ranch e Ramrod), struggenti ballate (Point Blank è uno spettacolo di rara intensità, ma non scherzano neppure Independence Day, Stolen Car, Wreck On The Highway e naturalmente The River) ed i due brani più “pop” del disco, cioè Two Hearts e Hungry Heart. Detto di due pezzi di Bruce che all’epoca erano inediti su disco ma dal vivo erano già un classico (Fire e Because The Night), troviamo le cover: Who’ll Stop The Rain dei Creedence non ha bisogno di presentazioni, è sempre una meraviglia, e di uguale intensità è anche un’emozionante This Land Is Your Land, l’evergreen che Woody Guthrie scrisse in contrapposizione alla God Bless America di Irving Berlin (come racconta Bruce nell’introduzione); visto il periodo, non possono mancare una vigorosa rilettura del classico errebi Merry Christmas, Baby e la festosa Santa Claus Is Coming To Town. In chiusura di concerto, uno dei migliori Detroit Medley da me mai ascoltati, dodici minuti di rock’n’roll come è raro sentire in giro (sono pure pochi, io sarei stato ad ascoltare per un’altra mezz’ora) e che da soli giustificano l’acquisto del triplo CD.

Come ho già detto, di lì a due giorni Bruce Springsteen farà la storia (e se non avete la serata del 31 non esitate ad accaparrarvela), ma quest’ultima uscita dimostra che il 29 era già bello che pronto.

Marco Verdi

Un Gradito Ritorno Alle Atmosfere Degli Esordi Per Il Duo Di Akron. The Black Keys – Let’s Rock

black keys let's rock

The Black Keys – Let’s Rock – Nonesuch/Warner CD

A cinque anni dall’ultimo lavoro Turn Blue Dan Auerbach ha richiamato Patrick Carney per tornare a fare un disco come The Black Keys, non senza una certa sorpresa generale. Infatti nell’ultimo lustro Auerbach è stato impegnatissimo come talent-scout e produttore, registrando una lunga serie di album presso i suoi Easy Eye Sound Studios di Nashville (da non perdere almeno quelli di Dee White, Yola e Robert Finley) oltre a pubblicare il suo secondo album solista, lo splendido Waiting On A Song, un vero gioiellino tra pop, rock, soul e country che sembrava inciso a cavallo tra gli anni sessanta ed i settanta https://discoclub.myblog.it/2017/06/13/un-disco-quasi-perfetto-per-un-artista-geniale-dan-auerbach-waiting-on-a-song/ . Tornando ai Black Keys, Turn Blue era stato un album che aveva attirato non poche critiche, sia per certe soluzioni sonore non proprio azzeccate, sia per la qualità media non eccelsa delle canzoni, sia ancora per il fatto che veniva dopo i due maggiori successi della band/duo, cioè Brothers (2010) e soprattutto El Camino dell’anno successivo, che vendette ben più di due milioni di copie nel mondo, non male per due musicisti che avevano iniziato a suonare negli scantinati di Akron, Ohio.

Let’s Rock è un disco importante, in quanto segna il ritorno alle atmosfere che contraddistinguevano i primi lavori di Dan e Patrick, soprattutto Thickfreakness e Rubber Factory: musica rock essenziale e degna di una garage band, con marcati elementi blues ed atmosfere decisamente elettriche. Un suono crudo e chitarristico, con i riff di Auerbach (che negli anni ha introdotto anche il basso nel suono del duo, e qui si cimenta anche alle tastiere in un paio di pezzi) ben doppiati dalla batteria secca di Carney. Let’s Rock mantiene dunque ciò che promette il titolo, dodici canzoni dirette e potenti, ma con inedite aperture melodiche figlie sicuramente degli ultimi anni in cui Auerbach è notevolmente maturato sia come musicista che come autore (la collaborazione con John Prine non può che avergli giovato): Dan ha quindi riversato la sua maggiore esperienza tutta in questo album, che coniuga quindi in maniera mirabile energia e songwriting di livello, diversificando anche gli stili ed aggiungendo alla base rock-blues un tocco di rhythm’n’blues e perfino di country. Il disco è autoprodotto dai due, che sono anche gli unici musicisti (a parte le voci femminili di Leisa Hans e Ashley Wilcoxson), ma il suono è nelle mani di due luminari come Richard Dodd al master e Tchad Blake al mix.

Si inizia per il meglio con Shine A Little Light, un brano a metà tra rock ed errebi, ritmo pulsante e chitarra bella tosta che si contrappone benissimo ad un motivo accattivante. Questo è il lato più rock di Auerbach, ma con una profondità di scrittura che un tempo gli mancava. Eagle Birds è un rock-blues secco e diretto, chitarra leggermente distorta e sezione ritmica vibrante, con un breve ma ottimo assolo da parte di Dan; la pimpante Lo/Hi è una rock song decisamente elettrica e vitale, ma anche coinvolgente al massimo e di buona immediatezza (non per niente è il primo singolo), mentre Walk Across The Water è un pezzo cadenzato e meno aggressivo, dal mood suadente e ritornello gradevole, quasi una pop song su base rock (bella la coda strumentale, che però si interrompe di botto). Tell Me Lies è un piacevole funkettone con un altro refrain di sicura presa e le solite ottime parti di chitarra, e si contrappone alla pura tensione elettrica di Every Little Thing, una grande rock song dall’attacco hendrixiano ed un andamento trascinante: energia, grinta ma anche feeling a piene mani.

Get Yourself Together è puro rock’n’roll, diretto ed irresistibile sia nel ritmo che nel ritornello, una delle più immediate, Sit Around And Miss You è addirittura country-rock, un brano limpido e di grandissima fruibilità, con chiare influenze “creedenciane”: splendida, anche se siamo più dalle parti dell’Auerbach solista. Il disco si conferma per nulla monotematico, anzi è ricco di sfaccettature pur mantenendo un suono diretto e senza fronzoli: prendete Go, secca, essenziale e quasi garage, che si amalgama benissimo con la seguente Breaking Down, altro delizioso brano che non è né pop, né rock, né errebi ma ha qualcosa di tutti e tre gli stili. Chiudono il CD la corale Under The Gun, dal ritmo sostenuto e soliti ficcanti riff chitarristici, e con la frenetica Fire Walk With Me, ancora puro e travolgente rock’n’roll. I Black Keys sono quindi tornati alla grande, con il suono dei primi tempi ma anche con una nuova visione musicale a 360 gradi, e Let’s Rock è uno dei rock’n’roll albums del 2019.

Marco Verdi

Grande Rock-Blues Tra California e Texas Per Un Trio Italo-Anglo-Americano! Supersonic Blues Machine – Road Chronicles: Live!

supersonic blues machine road chronicles live

Supersonic Blues Machine – Road Chronicles: Live! – Provogue/Mascot CD

Primo album dal vivo per i Supersonic Blues Machine, power trio formatosi nel 2015 a Los Angeles ma solo per un terzo americano (il ben noto e poderoso batterista Kenny Aronoff, il miglior rock drummer sulla terra insieme a Max Weinberg), in quanto gli altri due membri sono l’italianissimo bassista Fabrizio Grossi ed il chitarrista e cantante inglese Kris Barras (che ha sostituito nel Gennaio del 2018 il texano Lance Lopez). I due dischi di studio dei SBM, West Of Flushing, South Of Frisco e Californisoul https://discoclub.myblog.it/2017/11/28/anche-loro-sulle-strade-della-california-rock-supersonic-blues-machine-californisoul/ , non avevano mancato di attirare l’attenzione della critica internazionale e dei fans della musica rock-blues più sanguigna, grazie anche alla serie impressionante di ospiti che vi partecipavano (Billy Gibbons, Walter Trout, Warren Haynes, Eric Gales, Robben Ford, Chris Duarte e Steve Lukather) da loro conosciuti, oltre che per le molteplici collaborazioni di Aronoff, grazie all’amicizia di Grossi con Gibbons, che ha aiutato l’italiano ad entrare nel giro che conta.

Ora i nostri pubblicano questo Road Chronicles: Live!, resoconto dell’ultimo concerto del tour europeo dello scorso anno, tenutosi il 20 Luglio a Brugnera, in provincia di Pordenone (la hometown di Grossi). Ci troviamo di fronte ad un disco dal vivo di grande valore, che testimonia la bravura dei tre sul palco (la formazione è completata da Serge Simic alla seconda chitarra, Alex Alessandroni alle tastiere e dal supporto vocale di Andrea Grossi, moglie di Fabrizio, e Francis Benitez): rock-blues di notevole potenza, con le chitarre sempre a manetta ed una sezione ritmica schiacciasassi (e d’altronde Aronoff non lo scopriamo oggi), il tutto condito dalla voce arrochita di Barras, una via di mezzo tra Haynes e Mellencamp. Già così il disco sarebbe da consigliare, anche perché oltre alla potenza ci sono anche le canzoni che non sono affatto male, ma la ciliegina sulla torta è la presenza proprio di Gibbons nei sei pezzi finali, e senza nulla togliere a Grossi e compagni da lì in poi la temperatura sale di brutto. Dopo una breva introduzione registrata parte I Am Done Missing You, che inizia con il tipico drumming travolgente di Aronoff e poi vede entrare la chitarra di Barras ed il resto della band per un solido rock-blues di matrice sudista, con cori femminili che donano un retrogusto soul. I Ain’t Fallin’ Again è una rock song potente e granitica che dimostra la solidità dei nostri, con influenze che vanno dai Cream a Jimi Hendrix, mentre Remedy è una ballatona sempre decisamente elettrica con chitarre in tiro, una melodia fluida e distesa ed un ritornello corale ancora molto southern (facendo le debite proporzioni, siamo dalle parti della Tedeschi Trucks Band).

Can’t Take It No More è uno slow blues con organo e chitarra solista in grande spolvero e solito refrain corale: la SBS ha dei numeri e sembra americana al 100%, e non solo per un terzo; Watchagonnado è un funk-rock decisamente annerito e coinvolgente, con un  refrain perfetto per il singalong, uno dei pezzi più convincenti della serata, e precede la possente Elevate, un rockaccio diretto come un macigno dai toni quasi hard, ma sempre con elementi blues nel dna (chi ha detto Gov’t Mule?). Chitarre taglienti anche in Bad Boys, ancora tra rock e funky, mentre la lunga Let It Be (i Beatles non c’entrano) è nuovamente un ficcante blues con robuste iniezioni di rock, ed ottime parti chitarristiche stavolta ispirate da un maestro come Stevie Ray Vaughan. Ed ecco iniziare il concerto nel concerto, con Billy Gibbons che sale sul palco ed entusiasma subito il pubblico con una tonante versione della leggendaria La Grange, seguita dalla travolgente Broken Heart, una rock’n’roll song dal riff assassino che ricorda gli ZZ Top più diretti (e chi se no?), ed una vorticosa rilettura del classico di Elmore James Dust My Broom, strepitosa e coinvolgente https://www.youtube.com/watch?v=KhalRIkRoFE : tre canzoni e Billy si è già preso la scena. Il barbuto axeman resta on stage anche per i tre pezzi finali, la roboante Running Whiskey, con Aronoff che picchia come un ossesso, una tostissima interpretazione dell’evergreen di Muddy Waters Got My Mojo Working, con la band che va come un treno (ed un grande assolo di piano), ed il saltellante rock-blues Going Down, degna conclusione di una serata musicalmente torrida.

I loro due album di studio erano più che buoni, ma è sul palco che i Supersonic Blues Machine danno il loro meglio: garantisce Billy F. Gibbons.

Marco Verdi

Finché La Barca (Country) Va, Lasciala…Suonare! VV. AA. – A Tribute To The Bakersfield Sound Live!

a tribute to the bakersfield sound live

VV.AA. – A Tribute To The Bakersfield Sound Live! – TimeLife CD

Non sono certo io a dovervi spiegare l’importanza che ha avuto il cosiddetto Bakersfield Sound (dal nome della cittadina californiana di Bakersfield, da cui tutto ebbe origine) nell’ambito della musica country: movimento nato negli anni cinquanta in contrapposizione con il crescente suono di Nashville, era caratterizzato da un suono comunque classico ma con una strumentazione diretta e “rock”, senza le melensaggini tipiche della capitale del Tennessee. I due pionieri del genere furono sicuramente Buck Owens e Merle Haggard, due grandissimi autori e performers che influenzarono notevolmente le generazioni di musicisti a venire, Dwight Yoakam e Marty Stuart su tutti. Lo scorso anno si è tenuta in acque americane una crociera a tema country, la StarVista Live Country Music Cruise, con veri concerti e serate a tema: uno degli eventi di punta è stato sicuramente il tributo al suono di Bakersfield, fortemente voluto dai musicisti Wade Hayes e Chuck Mead (quest’ultimo ex leader dei bravissimi BR5-49), concerto che oggi possiamo goderci anche noi grazie a questo A Tribute To The Bakersfield Live!

Il dischetto è decisamente ben fatto ed estremamente gradevole, con Hayes e Mead che si alternano come voce solista, ben sostenuti dai Grassy Knoll Boys (la band che solitamente accompagna Mead dal vivo): musica pimpante e coinvolgente, con chitarre, piano e steel in evidenza e ritmo spesso elevato, con alla fine della serata (anzi, mattinata, il concerto si è tenuto al mattino) una serie di ospiti a rendere più appetitoso il piatto. Il disco è anche una sorta di tributo ad Owens e Haggard, dato che il 90% delle canzoni incluse proviene dai loro songbook: si parte subito con una tripletta di Buck, prima con una vivace versione strumentale della classica Buckaroo (con la steel in gran spolvero), seguita da una bellissima rilettura della leggendaria Streets Of Bakersfield, in odore di Messico, e da una scintillante I’ve Got A Tiger By The Tail. Swinging Doors è una delle più note di Haggard, e Hayes si destreggia decisamente bene supportato al meglio da Mead & Band: puro country; Above And Beyond è ricca di swing, e certifica l’ottima intesa tra i due leader, mentre The Bottle Let Me Down, ancora Hag, è una delle più famose drinkin’ songs di sempre, puro honky-tonk di gran classe.

Close Up The Honky Tonks è uno dei pezzi più famosi di Owens, versione limpida e godibilissima, Big, Big Love è la prima di due canzoni a non essere né di Buck né di Merle, bensì di Wynn Stewart, ed è un trascinante e ritmato brano tra country e rockabilly, così come Big City (torniamo a Haggard), swingata e di fattura squisita. La guizzante Hello Trouble vede il primo ospite, cioè il cantante e pianista di Nashville Tim Atwood, che se la cava egregiamente, seguito a ruota da Emily West, che nobilita con la sua bella voce la languida ballad Together Again; Johnny Lee presta il suo vocione vissuto a Carolyn, raffinata e suonata in punta di dita, mentre lo slow Cryin’ Time è affidato a Rudy Gatlin. Gran finale con Ray Benson, mitico leader degli Asleep At The Wheel, che sprizza carisma da ogni nota nell’intensa Misery And Gin, e poi tutti insieme sul palco per il superclassico di Joe Maphis Dim Lights, Thick Smoke (And Loud, Loud Music), gioiosa e coinvolgente come sempre.

Bel dischetto, fresco e rigenerante.

Marco Verdi